А   Б   В   Г   Д   Е   Ё   Ж   З   И   Й   К   Л   М   Н   О   П   Р   С   Т   У   Ф   Х   Ц   Ч   Ш   Щ   Ъ   Ы   Ь   Э   Ю   Я  


Музыкальный словарь в рассказах.




лауреат

   Это понятие пришло к нам из глубокой древности. Еще в Древней
Греции, а затем и в Риме победителей на состязаниях увенчивали лавровыми
венками. С тех пор и появилось слово laureatus, по-латыни -- увенчанный
лаврами.

В наше время это слово употребляется в двух значениях. Первое -- победитель
музыкального соревнования, конкурса. Вы, наверное, знаете многих таких
лауреатов, особенно -- победителей самого авторитетного среди музыкальных
состязаний, конкурса имени П. И. Чайковского. Среди его лауреатов -- Ван
Клиберн и Валерий Климов, Борис Гутников и Григорий Соколов, Штефан Руха и
Джон Огдон, Андрей Гаврилов и Михаил Плетнев, Наталья Шаховская и Иван
Монигетти, Людмила Шемчук, Елена Образцова и Евгений Нестеренко.

Второе значение слова <<лауреат>> относится не только к представителям мира
искусства. Так называют человека, отмеченного высокой премией. Есть у нас
лауреаты Ленинской премии (это самая почетная премия, которой может быть
удостоен человек), лауреаты Государственных премий, лауреаты премии
Ленинского комсомола. Такими лауреатами становятся не только музыканты, но
и художники, поэты, архитекторы, кинематографисты, ученые, совершившие
открытия, изобретатели, придумавшие новые аппараты, рабочие, отличившиеся
высокими показателями в труде.



разработка

   Этим термином называется тот раздел музыкальной формы
произведения, в котором его тематический материал подвергается наиболее
сильным изменениям, то есть разрабатывается. Осуществляться это может
по-разному: или путем вариационного развития ранее звучавших тем, или при
помощи активного мотивного развития, то есть дробления темы на небольшие, а
то и мельчайшие отрезки, которые затем подвергаются различным изменениям.

Встречаются разработки, построенные на новом, ранее не звучавшем
музыкальном материале. Объем разработки бывает произвольным; она может
состоять из одного или нескольких эпизодов. Основной признак разработки --
это тональная неустойчивость. Ее функция -- возвращение в главную
тональность произведения. Часто заключительный раздел разработки построен
на так называемом органном пункте или педали -- неизменно звучащем тоне или
аккорде -- доминанте основной тональности, что еще больше нагнетает
напряжение, усиливает ожидание главной тональности, которая появится в
следующей за разработкой части -- репризе.

Собственно термин <<разработка>> относится к среднему разделу сонатной
формы, однако эпизоды разработочного характера могут появляться и в
произведениях свободной формы, и в рондо-сонате, и в трехчастной форме, и в
фуге.



вариации

   Быть может, вам случалось когда-нибудь слышать фортепианную
балладу Грига. Начинается она с мелодии суровой и скорбной, похожей на
народную песню-думу. А потом эта мелодия появляется еще много раз, но
каждый раз -- в новом обличье: то как взволнованный монолог, то как
эпическое сказание, то в виде причудливого скерцо, то в характере траурного
шествия.

Форма, в которой сочинил Григ свою балладу, называется вариации или,
точнее, тема с вариациями.

Латинское слово variatio означает изменение. В музыке вариациями называется
такое произведение, в котором основная мелодия повторяется много раз, но в
ином характере. Иногда меняется только ее сопровождение, но чаще -- и она
сама, ее ритм, темп, отдельные обороты.

Форма вариаций родилась в XVI веке. Тогда возникли две разновидности
полифонических вариаций -- пассакалья и чакона.

В пассакалье -- произведении величественного характера, тема не меняется.
Она все время мерно и величаво звучит в самом нижнем, басовом голосе, в то
время как в верхних голосах появляются и развиваются новые самостоятельные
мелодии. Пассакальи писали многие композиторы XVII и XVIII веков, в том
числе И. С. Бах. В наше время к старинной форме пассакальи часто обращался
Д. Д. Шостакович (например, в четвертой части Восьмой симфонии, третьей
части Первого скрипичного концерта).

Чакона похожа на пассакалью. Это тоже полифонические вариации. Но в чаконе
тема, оставаясь неизменной, звучит не только в басу: она <<путешествует>>
по разным голосам, появляясь то в верхних, то в средних, то в нижних.
Широкой известностью пользуется Чакона Баха для скрипки соло. Играют ее и в
переложении для фортепиано или органа.

В XIX веке форма вариаций получает большое распространение. В так
называемых строгих вариациях тема изменяется не очень сильно: усложняется
аккомпанемент, в мелодии появляются новые звуки, украшающие ее основной
контур. Однако на всем протяжении пьесы сохраняется близкий начальному
характер. Музыкальный образ обогащается, но остается узнаваемым.

В творчестве Р. Шумана и Ф. Листа, а позднее у С. В. Рахманинова, у многих
современных композиторов тема в вариациях изменяется очень сильно. Такие
вариации называются свободными. В них уже не один, а много разных, даже
контрастных образов.



ключ

   Много разных значений имеет это слово. Ключ -- родник с чистой,
свежей и прохладной ключевой водой. Ключ от замка, которым запирают
квартиру, ворота или чемодан. Гаечный ключ, без которого не починить
велосипеда, не исправить системы водяного отопления. Наконец, самый
интересный ключ -- ключ к шифру, при помощи которого можно прочесть
таинственное послание.

Вот это последнее значение слова ключ больше всего напоминает его
музыкальный смысл. В самом деле: чтобы прочесть какие-то ноты, ключ
совершенно необходим, иначе запись их окажется зашифрованной. Посмотрите,
Несмотря на простоту мелодии, ни один музыкант не сможет воспроизвести ее,
пока в начале нотных линеек (они называются <<нотный стан>> или
<<нотоносец>>), на которых расположились ноты, не будет поставлен какой-то
ключ. Ведь какие именно здесь написаны ноты, неизвестно! Видно только, как
они соотносятся между собой (и то приблизительно: мы можем лишь
догадываться, где интервалы между звуками большие, а где малые), да
определен их ритм. А теперь поставим ключ:
Сразу все стало ясно (конечно, для того, кто знает ноты). Правда? Вы можете
оказать, что и первую запись расшифровали так же? Будете неправы.
Выйдут другие ноты, другая октава, другая тональность и даже другой лад.

Так что же такое ключ? Это знак, который всегда ставится в начале нотного
стана и указывает положение на нем одной из нот, а в зависимости от нее и
всех остальных.

В далеком прошлом ключей применялось очень много, и наиболее распространены
были ключи, определяющие положение ноты до первой октавы.

Зачем было нужно много ключей? Судите сами: на пяти линейках нотного стана
и между ними можно удобно записать всего одиннадцать звуков. В музыке же
применяется гораздо больше. Для остальных нужно приписывать дополнительные
линейки, а это очень загромождает запись и затрудняет чтение. Выход,
конечно, нашелся. Наиболее распространена в те далекие времена была
вокальная музыка. Но ведь диапазон человеческого голоса довольно ограничен.
Значит, каждому исполнителю можно удобно записать его партию, если
расположить ее соответствующим образом. Например, сопрано -- это высокий
голос. Поет он, в основном, в первой, а часто и во второй октаве. Баритон,
наоборот, звучит вниз от определяющей ноты до. Поэтому ключ до для сопрано
и баритона располагается не одинаково. Сопрановый -- на первой линейке,
чтобы можно было записывать ноты вверх, баритоновый напротив, на пятой: его
партия, записанная на тех же пяти линейках, читается значительно ниже. А
между ними, соответственно на второй, третьей и четвертой линейках
помещаются меццо-сопрановый, альтовый и теноровый ключи.
Завитушка в середине знака каждый раз определяет положение ноты до первой
октавы. Конечно, этими ключами пользовались не только певцы. Они были
удобны и некоторым инструментам. Так, до сих пор сочинения для альта и его
партия в оркестровых партитурах записывается в альтовом ключе. Применяется
иногда и теноровый ключ. Но постепенно с развитием и все более широким
распространением инструментальной музыки оказалось, что все эти ключи еще
не дают достаточно удобной записи, не охватывают крайних регистров. Тогда
появились другие ключи, определяющие положение ноты соль первой октавы и фа
малой октавы. Из нескольких таких ключей со временем в музыкальной практике
остались только басовый и скрипичный. Они удобны тем, что как бы
<<сцеплены>> между собой нотой до первой октавы, которая оказалась
расположенной на первой нижней добавочной в скрипичном ключе и на первой
верхней добавочной -- в басовом. Вместе эти ключи дают возможность записать
практически весь используемый звукоряд и поэтому стали универсальными. Вот
они (завитки обоих ключей показывают положение на нотном стане определяемых
ими нот).
Остается сказать только, как появились такие значки. Это очень сильно изменившиеся в течение времени латинские буквы С
(то есть до), G (соль) и F (фа).



тембр

   Ярко, радостно, звонко поют трубы. У валторны звук мягкий и
сочный. Голос фагота -- густой, грубоватый, иногда чуть ворчливый. Скрипка,
королева оркестра, звучит нежно и трепетно. А флейта заливается, словно
прекрасная певчая птица.

Звучание разных инструментов не перепутаешь, если даже они будут играть
одну и ту же мелодию. Чем же отличаются их голоса?

Оказывается -- тембром. Слово это произошло от французского timbre, что
означает колокольчик, а также метка, то есть отличительный знак. Другими
словами, тембр и является отличительным знаком каждого инструмента. Это
специфическая окраска звука, характер, присущий тому или иному инструменту
или голосу. Зависит тембр от многих причин: от материала, из которого
сделан инструмент, от того, каким способом извлекается звук, от размеров
инструмента (огромный контрабас и небольшая скрипка сделаны из одного
материала, и звук на них извлекается одинаково; однако разница есть не
только в высоте, но и в тембре звучания).

Роль тембра в музыке очень велика. Композиторы учитывают ее при
инструментовке своих сочинений. Вы можете прочитать об этом в рассказе об
инструментовке.



тутти

   Итальянское слово tutti означает <<все>>. Его пишут в партитуре
оркестровых произведений тогда, когда после прозрачного звучания отдельных
групп оркестра, отдельных, может быть, солирующих инструментов, вступает
весь оркестр полностью, создавая впечатление торжественности и мощи.



симфоническая поэма

   Это понятие появилось в музыкальном искусстве в 1854
году: венгерский композитор Ференц Лист дал определение <<симфоническая
поэма>> своему оркестровому сочинению <<Тассо>>, первоначально задуманному
как увертюра. Этим определением он хотел подчеркнуть, что <<Тассо>> -- не
просто программное музыкальное произведение. Чрезвычайно тесно связано оно
с поэзией своим содержанием. В дальнейшем Лист написал еще двенадцать
симфонических поэм. Самая известная среди них -- <<Прелюды>>. В основе ее
стихотворение французского поэта-романтика Ламартина <<Прелюды>> (точнее
<<Прелюдии>>), в котором вся жизнь человеческая рассматривается как ряд
эпизодов -- <<прелюдий>>, ведущих к смерти.

В творчестве Листа сложилась и форма, наиболее характерная для
симфонической поэмы: свободная, но с явными чертами сонатно-симфонического
цикла (см. рассказ о симфонии), если его исполнять без перерыва между
частями. В разнохарактерных эпизодах симфонической поэмы есть сходство с
основными разделами сонатной формы: главной и побочной партиями экспозиции,
разработкой и репризой. А в то же время отдельные эпизоды поэмы могут
восприниматься как части симфонии.

После Листа многие композиторы обращались к созданному им жанру. У классика
чешской музыки Бедржиха Сметаны есть цикл симфонических поэм, объединенный
общим названием <<Моя Родина>>. Очень любил этот жанр немецкий композитор
Рихард Штраус. Широко известны его <<Дон-Жуан>>, <<Дон-Кихот>>, <<Веселые
проделки Тиля Уленшпигеля>>. Финский композитор Ян Сибелиус написал
симфоническую поэму <<Калевала>>, в основе которой, в качестве
литературного источника, лежит финский народный эпос.

Русские композиторы своим оркестровым сочинениям подобного типа
предпочитали давать иные определения: увертюра-фантазия, симфоническая
баллада, увертюра, симфоническая картина.

Жанр симфонической картины, распространенный в русской музыке, имеет
некоторые отличия. Его программность не связана с сюжетом, а рисует пейзаж,
портрет, жанровую или батальную сцену. Всем, наверное, знакомы такие
симфонические картины, как <<Садко>> Римского-Корсакова, <<В Средней Азии>>
Бородина, <<Баба-Яга>>, <<Кикимора>> и <<Волшебное озеро>> Лядова.

Еще одна разновидность этого жанра -- симфоническая фантазия -- также
любимая русскими композиторами, отличается большей свободой построения,
часто -- присутствием в программе фантастических элементов.



оркестр

   В Древней Греции оркестрой (orchestra) называлось место перед
сценой, на котором во время представления трагедий помещался хор. Много
позднее, во время расцвета музыкального искусства в Европе, оркестром стали
называть большие ансамбли музыкантов, совместно исполняющие
инструментальные музыкальные произведения. В ансамблях этих участвовали
самые различные инструменты.

Состав оркестра долгое время не был постоянным. Как правило, имелись
оркестры у богатых вельмож. Именно от богатства и вкусов хозяина зависело
число музыкантов и выбор инструментов. Постепенно в музыкальной практике
сложились определенные виды оркестра. Самый полный и совершенный по
звучанию среди них -- симфонический оркестр. Слышали вы, разумеется, и
духовой и эстрадный оркестры, оркестры русских народных инструментов.
оркестры инструментов других народов СССР.

В наше время, пожалуй, трудно найти человека, который бы никогда не слышал
звучания симфонического оркестра.

Симфонический оркестр исполняет симфонии и сюиты, симфонические поэмы и
фантазии, сопровождает подчас действие в кинофильме, участвует в исполнении
опер и ораторий, соревнуется с солистами в инструментальных концертах.

Много разных инструментов входит в состав симфонического оркестра. На
некоторых играют при помощи смычка, ведя его по струне. В другие нужно
подуть, чтобы получился звук. Есть инструменты, по которым нужно ударять.
Вот и определились основные группы, на которые делятся все инструменты:
струнные смычковые, духовые -- деревянные и медные, и ударные. Иногда в
оркестр включаются арфа, рояль, орган.

Если вы посмотрите на фотографию или схему симфонического оркестра, то
поймете, что сидят оркестранты не как кому захотелось, а в строго
определенном порядке. Раньше во всех оркестрах мира исполнители сидели
одинаково: слева впереди первые скрипки (самые главные инструменты в
оркестре, исполняющие красивые, выразительные мелодии, они располагаются на
<<главном месте>>), справа -- вторые, за вторыми скрипками -- альты, в
центре -- виолончели, за ними -- деревянные духовые.

Сейчас существует несколько вариантов посадки оркестра, зависящих от воли
дирижера, от особенностей исполняемого произведения. Но одно остается
неизменным: инструменты расположены по группам -- все медные духовые
(валторны, трубы, тромбоны и туба) друг около друга, все деревянные
(флейты, гобои, кларнеты, фаготы) вместе, струнные смычковые (скрипки,
альты, виолончели и контрабасы) тоже сгруппированы отдельно.

Струнных инструментов в оркестре много. Первых скрипок бывает от десяти до
восемнадцати, вторых -- от восьми до шестнадцати, альтов -- от шести до
четырнадцати, виолончелей -- от шести до двенадцати, контрабасов -- от
четырех до восьми. Это объясняется просто: звук струнных инструментов самый
слабый. Сравните, например, звучание скрипки и тромбона: если они будут
играть одновременно, скрипку совсем не будет слышно, как бы громко ни
старался играть скрипач. Для равновесия звучности и необходима в оркестре
большая струнная группа. Поэтому же и располагаются струнные всегда ближе
всех остальных инструментов к дирижеру, к слушателям.

С духовыми инструментами дело обстоит по-другому. Деревянных в оркестре
бывает по два или три основных или еще по одному дополнительному, который
называется видовым (в зависимости от этого состав оркестра называют двойным
или тройным): это флейта-пикколо (малая флейта), разновидность гобоя --
английский рожок, бас-кларнет и контрафагот.

Из медных инструментов в оркестре обычно четыре валторны, две трубы, три
тромбона и одна туба. Однако число медных духовых может быть и больше.

Ударная группа в оркестре не имеет постоянного состава. В нее в каждом
случае включаются те инструменты, которые значатся в партитуре исполняемого
произведения. Только литавры являются непременным участником каждого
концерта.

Духовые оркестры в основном предназначены не для концертов в закрытых
помещениях. Они сопровождают шествия, марши, а во время праздничных гуляний
звучат на эстрадах, расположенных на открытом воздухе -- на площадях, в
садах и парках. Звучность их особенно мощная и яркая.

Основные инструменты духового оркестра -- медные: корнеты, трубы, валторны,
тромбоны. Есть и деревянные духовые -- флейты и кларнеты, а в больших
оркестрах еще гобои и фаготы, а также ударные -- барабаны, литавры,
тарелки.

Существуют произведения, написанные специально для духового оркестра, но
часто им исполняются симфонические произведения, переоркестрованные для
духового состава. Есть и такие сочинения, в которых, наряду с симфоническим
оркестром, предусматривается участие духового, как, например, в увертюре
Чайковского <<1812 год>>.

Особый вид духового оркестра, так называемая <<банда>> (итальянское слово
banda означает отряд). Это ансамбль медных, духовых и ударных инструментов,
который иногда вводится дополнительно к симфоническому оркестру в оперных
спектаклях. Он появляется на сцене, когда происходит какая-то торжественная
церемония или движется шествие.

В 1887 году известный музыкант, энтузиаст изучения русского народного
творчества и народных инструментов В. В. Андреев организовал <<Кружок
любителей игры на балалайках>>. Первый концерт этого кружка состоялся в
1888 году. Вскоре приобретший европейскую известность, ансамбль стал
расширяться. Кроме балалаек в него вошли домры, гусли и другие
древнерусские инструменты. Возник <<Великорусский оркестр>> -- так стал он
называться. После Великой Октябрьской социалистической революции его
переименовали в Оркестр русских народных инструментов имени В. В. Андреева,
появилось и много других подобных коллективов. Главную роль в них играют
струнные щипковые инструменты (прочтите о них в рассказе <<Струнные
инструменты>>), есть баяны, флейты и другие духовые инструменты, большая
группа ударных. Музыку для этих оркестров пишут советские композиторы.
Играют они также переложения классических произведений и обработки народных
песен.

В наше время оркестры народных инструментов существуют во многих союзных и
автономных республиках. Конечно, они очень разные: на Украине в них входят
бандуры, в Литве -- старинные канклес, в кавказских оркестрах играют
зурны...

Эстрадные оркестры наиболее разнообразны по своему составу и размерам -- от
больших, похожих на симфонические, таких как, например, оркестры
Всесоюзного и Ленинградского радио и телевидения, до совсем маленьких,
похожих скорее на ансамбли. В эстрадные оркестры часто включаются
саксофоны, гавайские гитары, много ударных.



капелла

   Всем любителям музыки хорошо известны такие хоровые коллективы,
как Ленинградская академическая капелла им. М. И. Глинки, Республиканская
хоровая капелла им. А. А. Юрлова. Однако слово капелла -- cappella -- в
переводе с итальянского означает <<часовня>>. Какое же отношение имеет
часовня к хору?

В католических храмах вот уже много веков богослужение сопровождается
музыкой. В соборах и крупных церквах издавна сооружались органы. Органисты
импровизировали, сопровождали своей игрой пение хора, и богослужение
получалось очень торжественным, производило сильное впечатление на
молящихся. А ведь это и нужно было церковникам. Но в маленьких церквах,
часовнях, органов не было. Хору там приходилось петь без сопровождения.
Поэтому со временем пение без инструментального аккомпанемента и стали
называть: <<как в часовне>>. По-итальянски -- a cappella. А самый хор стали
называть капеллой.

Теперь это слово расширило свое значение. Им иногда называют не только
хоровой, но и инструментальный коллектив. Например, Капелла бандуристов
Украинской ССР.



сурдина

   Быть может, вам приходилось слышать выражение -- <<под
сурдинку>>? Так говорят о чем-то, что сделано тихо, незаметно, так, чтобы
не обратить на себя внимания. Откуда же пошло это выражение? Из музыки, от
принадлежностей музыкального инструментария.

Французское слово sourdine происходит от итальянского sordino, sordo --
глухой, глухо звучащий. Сурдина -- это специальное приспособление, которым
в музыкальных инструментах приглушают звучность, слегка изменяют тембр.
СУРДИНЫ ДЛЯ СТРУННОГО (СЛЕВА) И ДУХОВОГО ИНСТРУМЕНТОВ
У разных инструментов сурдины бывают разной формы и сделаны из разных
материалов. Сурдина для струнных инструментов -- это деревянный,
пластмассовый или металлический гребешок, который надевается на подставку.
Когда применяется сурдина, звук становится слабее, а тембр -- не таким
насыщенным, как обычно -- словно призрачным.

У духовых инструментов -- трубы, тромбона и валторны -- сурдина делается из
дерева, алюминия или папье-маше в форме груши. Она вставляется в раструб.

У литавр роль сурдины выполняет кусок ткани, который кладут сверху, а у
фортепиано -- модератор: приспособление, опускающее на струны полоску сукна
или тонкого войлока.

Когда требуется играть с сурдиной, композитор помечает в нотах: con
sordino; если сурдину нужно убрать, пишется: senza sordino.



капелла

   Всем любителям музыки хорошо известны такие хоровые коллективы,
как Ленинградская академическая капелла им. М. И. Глинки, Республиканская
хоровая капелла им. А. А. Юрлова. Однако слово капелла -- cappella -- в
переводе с итальянского означает <<часовня>>. Какое же отношение имеет
часовня к хору?

В католических храмах вот уже много веков богослужение сопровождается
музыкой. В соборах и крупных церквах издавна сооружались органы. Органисты
импровизировали, сопровождали своей игрой пение хора, и богослужение
получалось очень торжественным, производило сильное впечатление на
молящихся. А ведь это и нужно было церковникам. Но в маленьких церквах,
часовнях, органов не было. Хору там приходилось петь без сопровождения.
Поэтому со временем пение без инструментального аккомпанемента и стали
называть: <<как в часовне>>. По-итальянски -- a cappella. А самый хор стали
называть капеллой.

Теперь это слово расширило свое значение. Им иногда называют не только
хоровой, но и инструментальный коллектив. Например, Капелла бандуристов
Украинской ССР.



валторна

   Немецкое Waldhorn -- лесной рог. Таков дословный перевод
названия этого инструмента. Предком валторны был охотничий рог, в который
трубили, когда нужно было подать сигнал во время охоты или какого-нибудь
торжественного события, объявить сбор войска. Для того чтобы звук был
слышен на далеком расстоянии, рог стали удлинять, а чтобы играть было
удобно, его приспособились <<скручивать>>. К одному витку прибавился
второй, третий. Так и возникла валторна. В 1664 году французский композитор
Жан Батист Люлли впервые ввел валторну в оперный оркестр, а затем она вошла
и в симфонический.

Валторна относится к группе медных духовых инструментов. Она играет в
оркестре очень важную роль. Звук ее мягкий, благородный. Валторна может
хорошо передать и грустное, и торжественное настроение, может звучать и
насмешливо, язвительно. Диапазон ее весьма широк: от си контроктавы до фа
второй октавы.
ВАЛТОРНА
Валторна -- оркестровый инструмент, хотя для нее существует и специальная,
сольная литература. В оркестровых произведениях валторнам часто поручают
ответственные сольные эпизоды. Послушайте певучую, проникновенную мелодию,
которая звучит в начале второй части Пятой симфонии Чайковского. Валторны
открывают симфонию до мажор Шуберта. В симфонии <<Ман-фред>> Чайковский
доверил четырем валторнам, играющим ffff, проведение основной музыкальной
темы, характеризующей героя симфонии. А в <<Вальсе цветов>> из
<<Щелкунчика>> квартет валторн звучит мягко и певуче. Советский композитор
Р. М. Глиэр написал концерт для валторны с оркестром, первым исполнителем
которого стал замечательный валторнист В. Полех. Однако чаще всего валторны
(их в оркестре обычно именно четыре) исполняют в оркестровых произведениях
аккомпанирующие партии.



серенада

   От Севильи до Гренады
В тихом сумраке ночей
Раздаются серенады
Раздается стук мечей.

Эти строки поэта А. К. Толстого, положенные на музыку, и есть серенада.
Наверное, вы ее не раз слышали. Серенадами назывались произведения,
исполнявшиеся вечером или ночью на улице (итальянское выражение < sereno>> означает <<на открытом воздухе>>) перед домом того, кому серенада
посвящалась. Чаще всего -- перед балконом прекрасной дамы.

Зародилась серенада на юге Европы, под теплым синим небом Италии и Испании.
Там она была непременной частью жизни города. То с одной, то с другой улицы
почти всегда доносились звуки музыки -- чаще всего звон лютни или гитары,
пение. Недаром опера Россини <<Севильский цирюльник>>, с таким блеском
воплотившая сцены испанской жизни, начинается именно серенадой. Серенадой
графа Альмавивы, который поет, в сопровождении наемных музыкантов, под
окном очаровательной Розины.

В XVII -- XVIII веках серенадами назывались и сюиты для небольшого
оркестра, исполнявшиеся также на открытом воздухе. Как правило, композиторы
сочиняли их по заказу знатных лиц. Такие серенады писали Гайдн, Моцарт. В
XIX веке оркестровых серенад почти не появлялось. Исключением стала
Серенада Чайковского для струнного оркестра. Зато большое внимание
привлекает к себе вокальная серенада -- уже не песня, исполняемая кавалером
под балконом возлюбленной, а романс, предназначенный для концертного
исполнения.

Очень популярна Серенада Франца Шуберта (<<Песнь моя, лети с мольбою тихо в
час ночной...>>), Серенада Петра Ильича Чайковского (<<Спи, дитя, под
окошком твоим я тебе пропою серенаду...>>). Как видите, содержание
вокальных серенад при этом осталось традиционным.



фактура

   Латинское слово <> означает обработка, делание, а в
переносном значении -- устройство. Пожалуй, это последнее слово и определит
лучше всего, что такое фактура в музыке. Это самый склад, устройство
музыкальной ткани, совокупность ее элементов. А элементы фактуры, то, из
чего она складывается -- мелодия, аккомпанемент, бас, средние голоса и
подголоски.

Фактура бывает очень разнообразной. Музыканты говорят о плотной, аккордовой
фактуре или фактуре прозрачной, состоящей из двух -- трех мелодических
линий или мелодий и легкого аккомпанемента; о фактуре полифонической,
которая может быть и прозрачной и плотной, в зависимости от числа входящих
в нее голосов, и фактуре гомофонно-гармонической, то есть включающей в себя
самые различные элементы в любых нужных для композитора сочетаниях.

Таким образом, фактура -- это действительно <<устройство>> музыкального
произведения, но устройство не <<по горизонтали>>, а <<по вертикали>>.
Фактура -- это словно бы <<вертикальный разрез>> звучащего пласта.



штрих

   Многие термины являются общими в музыке и изобразительном
искусстве. Относится к таким и слово штрих. Говорят об уверенных штрихах в
рисунке, о штриховке... Конечно, штрихи в музыке -- совсем не то, что
карандашный штрих. Так называются способы извлечения музыкального звука --
голосом или на инструменте. Главные штрихи -- это стаккато, то есть
отрывисто и легато -- связно. На некоторых инструментах распространен штрих
портаменто -- ровно и протяжно, но звуки не связаны между собой.

Исполнители на струнных инструментах знают много специальных штрихов, таких
как деташе (исполнение каждой ноты отдельным движением смычка), col legno
(коль леньо -- древком смычка по струне), мартеле (деташе с остановками) и
другие. Есть свои, специальные штрихи, и у духовых, и у ударных
инструментов.



ударные инструменты

   Все музыкальные инструменты имеют очень древнее
происхождение. Струнные -- от охотничьего лука, духовые -- от раковины,
рога, тростника. Но самый почтенный возраст принадлежит, конечно, ударным
инструментам: они возникли еще у первобытных людей, которые стали
сопровождать свои пляски ритмичными ударами одного камня о другой.

Постепенно появились более совершенные инструменты. Оказалось, что если
натянуть кожу на полый деревянный или глиняный предмет, то звук станет
более гулким и сильным. Так родились предки барабанов и литавр.

В течение многих веков складывалась группа ударных инструментов -- самая
неустойчивая по составу, но и самая разнообразная в современном
симфоническом оркестре. Сейчас в нее входят литавры, большой и малый
барабаны, тарелки. Кроме них встречаются бубен или тамбурин, тамтам,
треугольник, колокола, кастаньеты, колокольчики, ксилофон, челеста,
вибрафон. Только некоторые среди этих очень разных инструментов обладают
звуками определенной высоты.

Как показывает название группы, звук получается, когда по инструменту
ударяют -- рукой, пальцами, металлической палочкой или специальной
колотушкой. Тарелки нужно ударять одна о другую, бубен -- просто
встряхивать.

В оркестр ударные инструменты пришли давно, однако только в XIX веке
ударная группа получила широкое применение. Ударные инструменты
подчеркивают ритм музыки, придают звучанию оркестра большую силу, а его
краскам -- большее разнообразие. Иногда они используются с целью
звукоподражания, например, для изображения грома, ливня и т. д. О каждом из
ударных инструментов вы можете узнать более подробно, прочитав
соответствующий рассказ в этой книжке.




© Учитель музыки