Cамоучитель по музыке. Помощник начинающему музыканту.
























































































Популярные музыкальные термины


Шавырин

Анатолий, род. в 1942 г. в Кирове; советский гитарист и педагог, с 1945 г. в течение 3 лет учился гитаре у Кардолинского в Москве, затем был принят в «Москонцерт» для концертных выступлений, в 1961 г. на конкурсе им. В. В. Андреева был удостоен 1-ой премии. В 1970 г. поступил в музыкальную школу им. Октябрьской революции в Москве в класс гитары В. Славского, который закончил в 1974 г. С тех пор он дает концерты как гитарист в различных городах СССР. Ш., кроме игры на классической гитаре, равным образом владеет стилем фламенко и аккомпанирует певцам. За свою педагогическую деятельность он обучил много гитаристов. Ш. –автор многочисленных редакций пьес современных композиторов для классической гитары (в частности,«Сонаты» Н. Нариманидзе).


элементарная теория музыки

Читая эту книжку, вы, наряду со сведениями,
касающимися музыкальных инструментов, голосов, различных музыкальных
жанров, форм и пр., узнаете, что такое лад, тональность, гамма; какие
бывают интервалы и аккорды, что такое альтерация, как осуществляется нотная
запись. Все эти сведения входят в учебную дисциплину, которая называется
Элементарная теория музыки. Ее начала преподают в музыкальной школе,
подробно ее изучают в музыкальном училище.


Лакот (Lacote)

Рене Франсуа, род. в 1785 г., ум. в 1855 г.; французский гитарный мастер, родом из местности Мире­кур (Mirecourt), в которой было распространено изготовление лютневых инструментов. Примерно с 1820 г. работал в Париже, где, в частности, воспользовался советами известного испанского гитариста Ф. Сора по части игры и техники. Изготовил для него 7-струнную гитару (со свободно регулируемой басовой струной). «...если бы мне был нужен инструмент, я бы обратился за этим к г-ну Лакоту, французскому изготовителю; это единственный человек, который доказал мне, что он, помимо своих талантов, обладает качеством гибкости в сужде­ниях... Гитары, которым я всегда давал предпочтение – это гитары г-на Лакота из Парижа». (Фернандо Сор, «Метод для испанской гитары», английский перевод 1836 г., изд. Tecla).


лауреат

Это понятие пришло к нам из глубокой древности. Еще в Древней
Греции, а затем и в Риме победителей на состязаниях увенчивали лавровыми
венками. С тех пор и появилось слово laureatus, по-латыни -- увенчанный
лаврами.

В наше время это слово употребляется в двух значениях. Первое -- победитель
музыкального соревнования, конкурса. Вы, наверное, знаете многих таких
лауреатов, особенно -- победителей самого авторитетного среди музыкальных
состязаний, конкурса имени П. И. Чайковского. Среди его лауреатов -- Ван
Клиберн и Валерий Климов, Борис Гутников и Григорий Соколов, Штефан Руха и
Джон Огдон, Андрей Гаврилов и Михаил Плетнев, Наталья Шаховская и Иван
Монигетти, Людмила Шемчук, Елена Образцова и Евгений Нестеренко.

Второе значение слова <<лауреат>> относится не только к представителям мира
искусства. Так называют человека, отмеченного высокой премией. Есть у нас
лауреаты Ленинской премии (это самая почетная премия, которой может быть
удостоен человек), лауреаты Государственных премий, лауреаты премии
Ленинского комсомола. Такими лауреатами становятся не только музыканты, но
и художники, поэты, архитекторы, кинематографисты, ученые, совершившие
открытия, изобретатели, придумавшие новые аппараты, рабочие, отличившиеся
высокими показателями в труде.


Генерал-бас

(нем. Generalbas — общий бас) — 1. То же, что цифрован­ный, бас; в ансамблевой музыке XVII—XVIII вв.— партия органа или клавесина в виде басового голоса с цифрами, указывающими, какие аккорды следует брать одновременно с записанными нотами. 2. Система правил и способов игры по цифрованному басу.


Комическая опера

опера комедийного содержания. В XVIII в. суще­ствовало много разновидностей комической оперы: опера-буфф в Италии; баллад­ная опера в Англии; опера-комик во Франции; зингшпиль — в Гер­мании и Австрии; комическая опера на Украине и в России и т. д. Отдельные виды комической оперы исполнялись с разговорными диалогами. Комической опере родственны водевиль, оперетта, мюзикл.


Аус­сель (Aussel)

Ро­бер­то, род. 13.07.1954 в Бу­энос-Ай­ре­се; ар­ген­тин­ский ги­та­рист, при­над­ле­жит к ве­ду­щим ги­та­ри­стам-вир­туо­зам сво­ей стра­ны. A. нау­чил­ся иг­рать на ги­та­ре в ран­нем воз­рас­те под ру­ко­во­дством М. Л. Ани­до, М. Х. Р. Са­ра­те и A. Кар­ле­ва­ро. За­тем изу­чал му­­­­з­ы­­­к­ал­ь­ную тео­рию у Ф. Швар­ца, Х. Л. Кам­па­но и A. Г. Де­шо­ума­са. В 11 лет де­бю­ти­ро­вал как кон­церт­ный ги­та­рист. За­тем по­сле­до­ва­ли га­ст­ро­ли в не­сколь­ко стран Ла­тин­ской Аме­ри­ки, в США и позд­нее – в За­пад­ную Ев­ро­пу (Ир­лан­дия, Ни­дер­лан­ды, Фран­ция). A. иг­рал на мно­го­чис­лен­ных фес­ти­ва­лях и кон­кур­сах (Ис­па­ния, Швей­ца­рия, Бель­гия, Ита­лия, Пор­ту­га­лия, ФРГ). В 1982 г. он при­сое­ди­нил­ся к груп­пе “Atelierechangegroup“, что­бы на­брать­ся опы­та в об­лас­ти элек­тро­ни­ки и элек­тро­аку­сти­ки. А. – ру­ко­во­ди­тель от­де­ле­ния со­вре­мен­ной му­зы­ки из­да­тель­ст­ва Ан­ри Ле­муа­на в Па­ри­же. Вы­пус­тил не­сколь­ко грам­пла­сти­нок.


опера

Погас свет в зрительном зале. К дирижерскому пульту прошел
дирижер. Взмах дирижерской палочки -- и в затихший зрительный зал полились
звуки увертюры... Начался спектакль, в котором органично сплелись пение и
симфоническая музыка, драматическое действие, балет, живопись. Началась
опера.

Опера -- это жанр синтетический, появившийся на основе содружества
различных искусств (итальянское <> буквально -- труд, дело,
сочинение). Однако роль их в опере не равноценна.

Уже несколько столетий существует опера. И все это время не утихают споры о
том, что в ней главное -- музыка или текст. Был в истории оперы период,
когда ее автором считался поэт, либреттист, а композитор -- лицо
второстепенное -- должен был во всем подчиняться не только либреттисту, но
и певцам, которые требовали выигрышных арий в удобных для себя местах.

Настало время и для другой крайности -- когда на содержание перестали
обращать внимание. Опера превратилась в своего рода концерт в костюмах. Но
это действительно крайности. В XVIII и XIX веках окончательно сформировался
жанр оперы в таком виде, как мы его знаем и любим сейчас.

Главное в опере -- все-таки музыка. Ради нее мы идем в оперный театр. Вот
герой поет арию. В это время на сцене ничего занимательного не происходит:
действие останавливается. Все слушают музыку. Музыку, которая рассказывает
о сокровенных чувствах и мыслях героя, раскрывает нам его характер. Ария --
очень важная составная часть оперы, поэтому ей посвящается отдельный
рассказ. Ее, так же, как и другие сольные оперные номера -- ариозо,
каватину, балладу -- можно сравнить с монологом в драматической пьесе.

А теперь давайте вспомним, что поет Иван Сусанин перед началом своей
знаменитой арии <<Ты взойдешь, моя заря>>. <<Чуют правду! Смерть близка,
мне не страшна она. Свой долг исполнил я. Прими мой прах, мать земля>>.
Звучат медленные, короткие, разделенные остановками фразы. Это пение, но
очень похожее на декламацию. Называется оно речитатив (латинское слово
recitare -- читать вслух, громко произносить). Значение речитатива в опере
очень велико. Он -- основной <<инструмент>> развития действия. Ведь тогда,
когда звучат законченные музыкальные номера-арии, ансамбли -- действие
обычно останавливается. Оперы без речитатива не существует. Но зато бывают
оперы, полностью построенные на речитативе.

Большую роль в опере играет хор. С его помощью композиторы изображают
картины народной жизни. А в операх М. П. Мусоргского <<Борис Годунов>> и
<<Хованщина>> народ, по определению самого композитора, является даже
главным действующим лицом.

Еще один из важных компонентов, без которого не может обойтись опера, это
оркестр. Он исполняет увертюру, симфонические антракты, звучит во время
всего действия, создает яркие картины, раскрывает чувства героев.

Возникло оперное искусство почти четыреста лет тому назад, в конце XVI
века. Первый музыкальный спектакль с пением на сюжет древнегреческого мифа
о борьбе бога Аполлона со змеем Пифоном был поставлен в итальянском городе
Флоренции в 1594 году. С тех пор опера прошла большой, сложный путь.
Родившись в Италии, она попала далее и в другие страны Европы,

Возникнув как произведение мифологическое, теперь она удивительно
разнообразна по сюжетам.

В XIX веке в разных странах сложились национальные оперные школы. Самые
яркие их представители в Италии -- Россини, Верди и Пуччини, во Франции
Мейербер, Гуно и Бизе, в Германии Вебер и Вагнер. Несколько раньше, в конце
XVIII века, опера получает расцвет в Австрии, в творчестве Моцарта.

В России оперное искусство достигло высочайших вершин в творчестве Глинки,
Даргомыжского, Бородина, Мусоргского, Римского-Корсакова, Чайковского,
Прокофьева и Шостаковича.

В большинстве случаев оперы пишутся на сюжеты, взятые из литературы.
<<Руслан и Людмила>> Глинки, <<Русалка>> Даргомыжского, <<Евгений Онегин>>,
<<Мазепа>> и <<Пиковая дама>> Чайковского, <<Травиата>>, <<Риголетто>> и
<<Отелло>> Верди, <<Кармен>> Бизе, <<Снегурочка>> Римского-Корсакова,
<<Борис Годунов>> Мусоргского, <<Нос>> и <<Катерина Измайлова>> Д.
Шостаковича, <<Война и мир>> и <<Повесть о настоящем человеке>> С.
Прокофьева, <<Тихий Дон>> и <<Поднятая целина>> И. Дзержинского, <<Кола
Брюньон>> и <<Семья Тараса>> Кабалевского -- много на свете опер, в основе
которых лежат хорошо известные романы, повести, драматические пьесы...

Партитура готовой оперы передается в театр. Над ней работает дирижер, свои
партии разучивают солисты и хор, режиссер осуществляет постановку,
художники пишут декорации. Только в результате общего труда всех этих людей
возникает оперный спектакль.


вундеркинд

В истории музыки время от времени, как яркие звезды на
небосклоне, появлялись удивительные музыканты. Совсем еще маленькие дети,
лет восьми -- десяти, а иногда даже меньше, они давали сольные концерты и
поражали слушателей силой своего музыкального таланта. Называли этих
маленьких музыкантов чудо-детьми (по-немецки -- Wunderkind).

Таким вундеркиндом был Моцарт. В возрасте шести -- восьми лет он вместе со
своей старшей сестрой Наннерль объездил всю Европу, выступая с исполнением
музыки на клавире и скрипке соло, играя произведения других композиторов и
свои собственные исполняя заранее выученные пьесы и импровизируя прямо на
концерте на темы, данные кем-то из публики.

Вундеркиндом был и Ференц Лист. Конечно, дарование его не сравнимо с
моцартовским, но и он еще в детстве покорял слушателей виртуозной и не по
годам зрелой игрой на фортепиано.

Имена эти знает весь мир. Из вундеркиндов они превратились в крупнейших
музыкантов своего времени.

В прошлом веке на вундеркиндов возникла мода. Детей начинали учить музыке в
раннем детстве, а если видели значительные успехи, начинали форсировать
занятия и спешили выпустить <<чудо-ребенка>> на эстраду: завоевывать
популярность и, конечно, зарабатывать деньги удачливым родителям и
предприимчивым антрепренерам. В конце XIX века афиши многих городов Европы
буквально пестрели именами вундеркиндов, от которых ждали повторения чуда
Моцарта. Но второго Моцарта не появилось. Больше того, вырастая, лишь
немногие из бывших вундеркиндов смогли остаться на уровне своей детской
популярности.

Прекрасно написала об этом Софья Васильевна Шостакович, мать композитора,
которая была его первой учительницей музыки:

<<Мы, родители, конечно, хорошо понимали и тогда [когда Д. Д. Шостаковичу
было семь -- восемь лет. -- Л. М], что сын наш достаточно музыкален для
того, чтобы стать в будущем профессионалом-музыкантом... Но вместе с тем мы
не спешили. Сказать правду, я не очень одобряю, когда юный неокрепший
талант начинают всячески мучить ради того только, чтобы произвести
сенсацию, выпустив на концертную эстраду маленькое нервное существо с
громким именем <<вундеркинд>>. На мой взгляд очень и очень редко бывает,
когда такой ранний музыкант впоследствии вырастает во что-нибудь
действительно интересное. Большей частью, поражая зрелым не по возрасту
мастерством в пять -- шесть лет, он в тридцать представляет собой явление
вполне заурядное, ибо творческие силы исчерпаны, организм устал, и человек
преждевременно изжил себя>>.

В наше время никто не гонится за сенсациями. Дети в пять -- шесть лет
только начинают учиться музыке, а слово вундеркинд приобрело совсем иной
оттенок: его употребляют чаще в ироническом смысле или просто в шутку.
СЕМЬЯ МОЦАРТА ДАЕТ КОНЦЕРТ. РИСУНОК С ГРАВЮРЫ 1765 Г


фермата

Итальянское слово <<фермата>> (fermata) означает остановка,
задержка. В музыке им называется знак. Он ставится над нотой,
аккордом или паузой (реже -- в перевернутом виде под ними) и означает, что
исполнитель должен в этом месте увеличить длительность звука по своему
усмотрению.


Консерватория

(ит. conservatorio, от лат. conservare — охранять) — в Италии XVI в. заведение, подобное интернату, где дети-сироты обучались ремеслам, а также музыке с целью подготовки церковных певчих — пению. В Венеции подобные заведения назывались оспедале (гос­питаль) — для мальчиков и оспедалетто — для девочек. В XVIII в. деятельность этих заведений сократилась. Как высшее учебное за­ведение для подготовки музыкантов-профессионалов в Париже в 1784 году была создана Королевская школа пения и декламации, в 1793 году преобразованная в Национальный музыкальный инсти­тут, а с 1795 года в Консерваторию музыки и декламации. В XIX— XX вв. музыкальные высшие учебные заведения были открыты во многих крупных городах: Праге—1811, Варшаве и Вене — 1821, Лондоне —1822, Мадриде—1830, Будапеште —1840, Рио-де-Жаней­ро —1847, Бостоне—1853, Дрездене —1856, Петербурге —1862, Бу­харесте и Люксембурге—1864, Москве —1866, Копенгагене, Турине, Антверпене, Базеле —1867, Балтиморе, Чикаго—1868, Монреале — 1876, Боготе—1882, Хельсинки—1882, Амстердаме, Карлсруэ — 1884, Гаване—1885, Торонто —1886, Буэнос-Айресе—1893, Белгра­де—1899, Ла-Пасе —1908, Сан-Пауло — 1909, Мельбурне, Сиднее, Саратове, Киеве, Одессе— 1912—1914, Тегеране— 1918 и т. д.


лютня

<<Самый важный и самый интересный в музыкально-историческом
отношении инструмент>>, -- так говорят о лютне многие музыканты,
интересующиеся историей музыкальных инструментов.

Лютня была распространена во всем древнем мире -- в Месопотамии, Индии и
Китае, в Египте и Ассирии, в Древней Греции и Риме, у персов и арабов.
Арабы считали лютню самым совершенным из всех музыкальных инструментов и
называли ее королевой инструментов. Именно через арабов лютня попала в
Европу: она появилась в Испании в VIII веке, когда ее завоевали мавры. С
течением времени из Испании лютня проникла в Италию, Францию, Германию и
другие страны. Много веков продолжалось ее господство в музыкальной жизни.
В XV -- XVII веках она звучала повсюду. Использовали ее и как сольный
инструмент, и для сопровождения. Лютни больших размеров звучали в ансамблях
и даже в оркестрах.
ЛЮТНИСТ (СПРАВА) И АРФИСТКА.
РИСУНОК С ГРАВЮРЫ НИДЕРЛАНДСКОГО ХУДОЖНИКА ИЗРАЕЛЯ ВАН МЕКЕНЕМА.
КОНЕЦ XV В.
Постепенно ей пришлось уступить свое место смычковым инструментам: они
обладали более мощным и ярким звуком. А в домашнем музицировании лютню
вытеснила гитара.

Если вы когда-нибудь видели репродукцию картины Караваджо <<Лютнист>>, то
представляете себе, как выглядит этот инструмент. Корпус, напоминающий
половину дыни или панцырь черепахи, довольно большой по размеру, широкий
гриф с колками для натяжения струн. Нижняя дека, то есть выпуклая часть
корпуса, для красоты часто проложена кусочками черного дерева или слоновой
кости. Посередине верхней деки -- вырез, сделанный в виде красивой звезды
или розы. У больших, так называемых архилютен, таких вырезов-роз было три.
Количество струн на лютне бывало разным, от шести до шестнадцати, причем
все они, кроме двух самых высоких, были удвоенными в унисон или октаву.

Играли на лютне сидя, положив ее на левое колено. Правой рукой защипывали
струны, в то время как левая фиксировала их на грифе, удлиняя или
укорачивая.

Несколько десятков лет назад казалось, что лютня -- инструмент. ушедший от
нас безвозвратно. Но в последние годы появился интерес к старинной музыке,
старинным инструментам. Поэтому теперь в концертах ансамблей старинной
музыки вы можете иногда увидеть лютню и ее разновидности -- архилютню и
теорбу.


импровизация

Обычно композитор, сочиняя какое-нибудь произведение,
предварительно обдумывает его, делает наброски, а потом уже записывает
сочинение на нотной бумаге, тщательно отделывая каждую деталь.

Но бывает и так: музыкант садится за рояль, берет несколько несвязных
аккордов, а затем, словно размышляя, начинает играть. Звучат пассажи,
возникают и исчезают мелодии, вновь сменяясь разливами пассажей... Спросите
этого музыканта, что он играл, и он ответит: да так, ничего, просто
импровизировал.

Латинское слово improvisus означает -- непредвиденный. Импровизировать --
значит играть, одновременно сочиняя, или, вернее, сочинять без
предварительной подготовки, тут же исполняя сочиненное.

Бывают импровизаторы не только музыканты, но и поэты. Об одном из
поэтов-импровизаторов рассказывает Пушкин в оставшейся незаконченной
повести <<Египетские ночи>>.

В старину искусство музыкальной импровизации было развито очень широко.
Каждый музыкант, выступая в концерте, должен был импровизировать по заказу
публики произведение в определенной форме -- вариаций, фуги, сонаты, на
тему, предложенную кем-нибудь из присутствовавших.

Рассказывают такой случай. В XVII и XVIII веках было принято устраивать
состязания между исполнителями. И вот, осенью 1717 года в Дрезден приехал
весьма модный французский органист, клавесинист и композитор Луи Маршан.
Туда же вызвали Иоганна Себастьяна Баха, в то время еще мало кому
известного немецкого музыканта.

За день до назначенного состязания Бах явился в королевский дворец
послушать своего конкурента. Маршан играл блестяще. Ему много аплодировали,
а потом предложили и немецкому музыканту <<попробовать инструмент>>. Бах
тут же повторил песенку, на тему которой импровизировал Маршан, и
варьировал ее с огромным искусством, совершенно затмив соперника. Потом Бах
написал на листочке бумаги мелодию и передал ее Маршану. Это была тема, на
которую французский музыкант должен был назавтра импровизировать. Бах, в
свою очередь, попросил у Маршана тему для своей импровизации.

На следующий день придворное общество долго ожидало прибытия во дворец
знаменитого француза, но он так и не явился. Оказалось, что он бежал, не
решившись соперничать с гениальным импровизатором.

А вот отрывок программы одного из концертов маленького Моцарта (вы,
наверное, знаете, что Моцарт с самого раннего возраста проявил себя как
гениальный музыкант. В шесть -- семь лет он уже выступал с концертами в
разных странах):

<<6. Ария, которую господин Амадео (так звали Моцарта в Италии) тут же
сочинит на предложенные ему стихи и затем исполнит, аккомпанируя себе на
клавикорде.

7. Соната на тему, которую предложит по своему выбору первый скрипач
оркестра, сочинит и исполнит господин Амадео...

10. Фуга на тему, предложенную экспромтом...>>

В одном итальянском городе слушатели, которые не могли поверить, что
ребенок способен так вдохновенно импровизировать, потребовали, чтобы он
снял с пальца кольцо. Они решили, что кольцо волшебное и управляет руками
мальчика. Конечно, сняв кольцо, Моцарт продолжал играть так же хорошо.

Великолепным импровизатором был и Бетховен, и многие другие композиторы
прошлого. О гениальном скрипаче и композиторе Никколо Паганини, например,
рассказывали, что лучшие его произведения -- не те, что записаны, изданы и
известны всем, а те, что он импровизировал по настроению и никогда больше
не повторял.

В наше время искусство импровизации почти совсем забыто. Лишь крайне редко
встречаются музыканты, способные сочинять <<на глазах у публики>>.
Произошло это прежде всего потому, что в музыке, как и во всех областях
нашей жизни, господствует <<узкая специализация>>: композиторы теперь не
являются одновременно концертирующими музыкантами-исполнителями, а
профессиональные инструменталисты-концертанты, как правило, не обладают
выдающимися композиторскими данными. Старые традиции импровизирования
сохранились разве лишь у некоторых органистов.

Так, в начале 60-х годов в нашу страну на гастроли приезжал Томанер-хор --
хор лейпцигской церкви святого Фомы, в которой когда-то давно многие годы
работал И. С. Бах. Руководитель хора Гюнтер Рамин импровизировал на
клавесине прелюдию и фугу, темы для которых ему предложили советские
музыканты, присутствовавшие на концерте.


Проведение

1. Часть фуги, в которой тема проходит полностью в ка­ком-либо из голосов. 2. Раздел фуги, содержащий вступлений темы и ответ во всех голосах. 3. В музыке полифонического склада изло­жение темы или мотива в каком-либо голосе или голосах (напр., проведение темы в нижнем голосе). 4. Изложение темы в развитых гомофон­ных формах (напр., проведение темы побочной партии в разработке сонатной формы).


Пиккьянти (Picchianti)

Луиджи, род. 29.8.1786 во Флоренции, ум. 29.10.1864 во Флоренции; итальянский гитарист, композитор и либреттист, был преподавателем по контрапункту, истории музыки и эстетики во Флоренции, а также ав­тор ряда сочинений для гитары(«Шесть вариаций»; «Вариации на тему “Дон Жуана”»;сонат, прелюдий и др.) и шко­лы игры на гитаре“Metododellachitarra” («Гитарный метод»).


Бер­ли­оз (Berlioz)

Гек­тор, род. 11.12.1803 в Кот-Сен-Ан­д­ре(Изер), ум. 8.3.1869 в Па­ри­же; фран­цуз­ский ком­по­зи­тор, так­же пыл­кий лю­би­тель ги­та­ры, мас­тер­ски вла­дев­ший этим ин­ст­ру­мен­том, не­сколь­ко лет под­ряд за­ра­ба­ты­вал се­бе на жизнь уро­ка­ми иг­ры на ги­та­ре. Он по­сто­ян­но под­чер­ки­вал, что для ка­ж­до­го му­зы­кан­та не­об­хо­ди­мо знать этот ин­ст­ру­мент. На­пи­сал ряд ва­риа­ций для ги­та­ры-со­ло, аран­жи­ро­вал раз­лич­ные пес­ни в со­про­во­ж­де­нии ги­та­ры и в сво­ей опе­ре «Бен­ве­ну­то Чел­ли­ни» ввел со­ло на ги­та­ре. В из­вест­ной ста­тье об ин­ст­ру­мен­тов­ке(«Боль­шой трак­тат о со­вре­мен­ной ин­ст­ру­мен­тов­ке и ор­ке­ст­ров­ке», Па­риж, 1844) он счи­та­ет ги­та­ру ин­ст­ру­мен­том, ко­то­рый под­хо­дит так­же и для слож­ных по­ли­фо­ни­че­ских со­чи­не­ний .























































































© Учитель музыки