Cамоучитель по музыке. Помощник начинающему музыканту.
























































































Популярные музыкальные термины


флейта

Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят
изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции.

Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной
трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока
не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали ее в
вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта,
которую музыкант держит горизонтально. Этот вид флейты, усовершенствованный
в 1832 году немецким мастером Т. Бемом, постепенно вытеснил продольную, и
сейчас во все оркестры входит именно поперечная флейта. Диапазон ее -- от до первой и до до четвертой октавы, нижний регистр
глуховатый, мягкий; средний и часть верхнего очень красивы, обладают нежным
и певучим тембром; самые высокие звуки пронзительные, свистящие.

В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в XV веке.
Композиторов привлекало ее напевное звучание, а позднее, когда инструмент
усовершенствовался, -- богатые виртуозные возможности.

Флейте доступны самые сложные пассажи. Нередко она вступает в своеобразное
соревнование с колоратурным сопрано, которое отчасти напоминает и своим
тембром. Вспомните <<Снегурочку>> Римского-Корсакова: колоратурным пассажам
дочери Мороза в начале оперы вторят <<узорчатые>> наигрыши флейты.

Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента -- флейта
пикколо (piccolo -- по-итальянски -- <<маленький>>). Она в два раза меньше
обычной флейты и звучит октавой выше. Ее резкий свист прорезает звучность
всего оркестра. Раньше флейту пикколо применяли лишь в тех музыкальных
эпизодах, в которых требовалось изобразить сражение, грозу, свист ветра.
Теперь же ей нередко поручают и мелодические партии.

В опере Римского-Корсакова <<Сказка о царе Салтане>> флейта пикколо играет
тему белки, грызущей золотой орех. В первом акте оперы Бизе <<Кармен>> две
флейты пикколо сопровождают хор мальчишек, бойко марширующих вслед за
солдатами.


Миньо (Mino)

Рикардо, род. в 1949 г. в Севилье; испанский гитарист фламенко, уже в молодости сопровождал извест­ного певца фламенко Пепе Марчену. М. принимал участие в различных конкурсах фламенко в Андалусии и за грани­цей и занял несколько призовых мест (в частности, в 1969 г. на конкурсе “FiestaGitanaDaSilva“). В течение последних лет он отдает предпочтение сольным выступлениям с концертным фламенко (flamencodeconccierto). Совершил концерт­ные турне по Южной Америке. В 1976 г. в студии “Claves” вышла его пластинка.


лауреат

Это понятие пришло к нам из глубокой древности. Еще в Древней
Греции, а затем и в Риме победителей на состязаниях увенчивали лавровыми
венками. С тех пор и появилось слово laureatus, по-латыни -- увенчанный
лаврами.

В наше время это слово употребляется в двух значениях. Первое -- победитель
музыкального соревнования, конкурса. Вы, наверное, знаете многих таких
лауреатов, особенно -- победителей самого авторитетного среди музыкальных
состязаний, конкурса имени П. И. Чайковского. Среди его лауреатов -- Ван
Клиберн и Валерий Климов, Борис Гутников и Григорий Соколов, Штефан Руха и
Джон Огдон, Андрей Гаврилов и Михаил Плетнев, Наталья Шаховская и Иван
Монигетти, Людмила Шемчук, Елена Образцова и Евгений Нестеренко.

Второе значение слова <<лауреат>> относится не только к представителям мира
искусства. Так называют человека, отмеченного высокой премией. Есть у нас
лауреаты Ленинской премии (это самая почетная премия, которой может быть
удостоен человек), лауреаты Государственных премий, лауреаты премии
Ленинского комсомола. Такими лауреатами становятся не только музыканты, но
и художники, поэты, архитекторы, кинематографисты, ученые, совершившие
открытия, изобретатели, придумавшие новые аппараты, рабочие, отличившиеся
высокими показателями в труде.


фольклор

Знаете ли вы, как в далеком прошлом праздновали свадьбы на
Руси? Свадебная игра, как ее принято называть (во многих сказках вы,
наверное, слышали: <<сыграли свадьбу>>), продолжалась несколько дней, а
иногда и несколько недель. Она складывалась из разнохарактерных сцен, то
лирических, то комических, а то и трагедийных, из различных игр и обрядов.
Очень большое место занимали в ней песни. Звучали песни торжественные,
величальные, славящие невесту и жениха; шуточные, комические, иногда
пародийные, чаще всего высмеивающие сватов; гостевые, застольные; веселые
плясовые. Много песен должна была петь невеста: она причитала, прощаясь с
родной семьей и девичьей долей, страшась неизвестного будущего в чужой
семье. Хоровые песни исполняли подруги невесты на девичнике и в утро
венчания.

В наше время некоторые хоровые коллективы воссоздают на сцене основные
моменты старинной свадьбы. <<Все в этом своеобразнейшем национальном
действии -- песни, хороводы, диалоги, прибаутки, движения, костюмы --
проникнуто мудростью и целомудренностью, красотой сердца русского народа>>,
-- написано в газете <<Правда>> о <<сценах русской народной свадьбы>>,
поставленных в 1945 году Государственным русским народным хором имени
Пятницкого.

Не только свадьба игралась в народе так ярко и красочно. Вся жизнь наших
предков сопровождалась пением, игровыми действиями. Существуют песни
бытовые: колыбельные, шуточные, лирические; песни-причитания, оплакивающие
умерших; песни-сказы, былины, повествующие о далеком прошлом. Множество
песен связано с годовым земледельческим кругом: все сельские работы, все
календарные праздники нашли в них свое отражение.

Это огромное песенное богатство объединяется термином <<фольклор>> --
народное творчество.

В отличие от подавляющего большинства терминов, ведущих свое происхождение
от латинских и древнегреческих слов, этот термин пришел к нам из
староанглийского языка Быть может потому, что относится он не только к
музыке. Английское folk -- народ; -- учение. Вместе эти слова -- folklore
-- переводятся как <<народная мудрость>>. Именно так, уважительно и даже
возвышенно, принято во всем мире называть устное народное творчество
музыкальное и литературное.

Название это глубоко справедливо. В самом деле: в произведениях устного
народного творчества воплотились народный опыт, традиции, мировоззрение, то
есть действительно передана народная мудрость.

Музыкальный фольклор -- это народные песни и танцы, былины и
инструментальные наигрыши. В отличие от профессиональной музыки, фольклор
не знает авторства. Произведение живет в устной традиции, передается от
одного исполнителя к другому, подчас видоизменяется. Поэтому фольклористы
(так называются те кто изучает народное творчество) в разных местах от
разных исполнителей записывают порою очень отличающиеся друг от друга
варианты одной и той же песни или былины. <<Песни народные, как музыкальные
организмы, отнюдь не сочинения отдельных музыкально-творческих талантов, а
произведение целого народа>>, -- писал в свое время видный русский
композитор и музыкальный критик А. Н. Серов.

Но фольклор -- это не только народная мудрость. Это еще и проявление души
народа. Нельзя спутать русскую песню с грузинской, с негритянскими
спиричуэлс или с блюзами, как нельзя неаполитанский напев спутать с
шотландским наигрышем. Потому что каждая из них -- порождение всей жизни
народа, его истории, его быта.

Народная песня, и шире -- весь музыкальный фольклор, -- это основа
профессионального композиторского творчества. <<Создает музыку народ, а мы,
художники, ее только аранжируем>>, -- сказал когда-то Михаил Иванович
Глинка. Во многих произведениях русских композиторов мы слышим напевы
народных песен, ритмы танцев. И вся без исключения русская музыка
проникнута почерпнутыми из родного фольклора интонациями, мельчайшими
оборотами, которые и создают отличие одной национальной музыкальной
культуры от другой.


экспозиция

Вам, быть может, приходилось сталкиваться с этим термином,
когда речь шла о посещении музея или выставки: <<Экспозиция интересных
картин>>; <<Подготовлена новая экспозиция в краеведческом музее...>>. И
производные от него: экспонируются, экспонаты. Не правда ли, вам понятно, о
чем идет речь -- о показе чего-то: картин, если речь идет о художественной
выставке, или каких-то других экспонатов.

Экспозиция в музыкальном произведении -- это тоже своего рода показ. Показ
основных музыкальных тем, знакомство с <<героями>> сочинения. Именно в
музыке этот термин наиболее близок своему латинскому прообразу: expositio
означает изложение.

В сонатной форме экспозицией называется первый из трех ее основных
разделов. В нем звучат впервые главная и побочная партии, музыкальный
материал которых потом послужит основой разработки (о ней вы можете
прочесть отдельно). Главная партия в экспозиции звучит в основной
тональности сочинения. Затем следует небольшой связующий раздел, который
переводит музыку в тональность побочной партии. После побочной партии
следует заключительная часть, которая и завершает экспозицию.

Иногда говорят не главная и побочная партии, а главная и побочная темы. Это
неточно, так как часто случается, что та или иная партия включает в себя не
одну, а две и даже более тем.

Экспозицией называется также изложение, то есть первое проведение темы (или
тем, если их больше одной) во всех голосах фуги. Голоса вступают
поочередно, причем между их вступлениями могут появиться интермедии, то
есть нетематические, связующие эпизоды. После последнего проведения темы в
экспозиции часто звучит интермедия заключительного характера, которая
завершает этот раздел фуги.


Пельцер (Pelzer)

Фердинанд, род. в 1801 в Тревесе, ум. в 1861 г. в Лондоне; немецкий гитарист и педагог, в 1828 г. пе­реселился в Лондон, где он преподавал гитару. Наряду с 2 школами для этого инструмента (их которых одна написана для гитары со строем ми-мажор), он оставил после себя ряд сочинений и обработок. П. был одним из учредителей и ре­дакторов журнала “The Giulianiad” («Джулианиада»). Его дочь, Катрин Жозефа Пельцер (1821-1895), уже в 9-летнем возрасте выступала с гитарными концертами. Она сочи­нила несколько гитарных пьес, а также написала школу игры на гитаре. Все сочинения Катрин, позднее известной под именем Сидни Праттен, были изданы в Лондоне после ее смерти ее сестрой Юлией Пельцер (1837-1924), преподава­тельницей гитары и мандолины.


вокальная музыка

Вы включаете радио и слышите эстрадную песню. Повернули
ручку настройки; теперь звучит какое-то хоровое произведение, а на соседней
волне, кажется, транслируют оперу... Все это -- вокальная музыка (от
латинского vocalis -- звучащий, поющий), то есть музыка, предназначенная
для пения с аккомпанементом музыкальных инструментов или без сопровождения,
соло, в ансамбле или хором. К вокальной музыке относятся песни, романсы,
хоры, кантаты, оратории и, наконец, оперы. Обо всех этих жанрах вы можете
прочесть в рассказах, им посвященных.


Мроньски (Mronski)

Станислав, род. 2.1.1926 в Подхойны, ум. в 2005 г.; польский композитор и педагог. Музыкаль­ное образование получил в Высшей государственной музыкальной школе в Лодзи по специальностям музыкальная пе­дагогика (1950 г.), музыкальная теория (1953 г.), а также композиция (1957 г., у K. Сикорского). Большую часть сво­его композиционного творчества М. посвятил гитаре. В 1972 г. он занял 2-ое место на Международном гитарном кон­курсе, организованном Французским радио и телевидением, за «Четыре пьесы»для гитары, в 1975 г. на гитарном кон­курсе Института народной музыки в Лодзи - 1-ое место за«Шесть мазурок»и 2-ое место за «Три пьесы»(Поэма, Пасса­калия, Фуга). В польском издательстве (PWM) изданы следующие его сочинения для гитары: «3этюда»и «3 прелю­дии»(в сборнике: «Материалы для уроков игры на гитаре» K. Сосиньского, 1970 г.), «Легкие пьесы» (1973),«Два цик­ла»(1975 г.) и «Шесть мазурок»(1977 г.).


Гарсия Навас

(GarciaNavas), Хосе, род. в 1898 г. в Малаге, ум. в 1957 г. в Малаге; испанский гитарист, композитор и педагог, получил первые уроки игры на гитаре у своего отца, Дона Хуана Наваса. Выступления Г. с успехом были встречены сначала в его родном городе, позднее в других городах Испании. В 1948-1958 г. г. он также давал концерты в странах Латинской Америки и в США. Обширное композиционное творчество также содержит несколько сочинений для гитары(«Испанское танго»; «Танец»; «Так поет девушка»; «Маленькая андалузская сюита» и др.). В 1948 г. стал профессором гитары в Малаге.


волынка

Слышали вы детскую пьесу И. С. Баха, которая называется
<<Волынка>>? Правая рука в ней играет простенькую мелодию, а в левой
повторяются одни и те же звуки. В этой пьесе композитор имитирует звучание
народного инструмента, распространенного во многих странах мира.

Волынка -- духовой инструмент, притом очень своеобразный. Ее отличительная
деталь -- мех, то есть воздушный резервуар из кожи или пузыря. В мех
вставлены несколько трубок. Одна из них -- с отверстиями, как у любого
деревянного духового инструмента. На ней исполняют мелодию. Другая
трубочка, маленькая, служит для нагнетания воздуха: исполнитель дует в нее
или приспосабливает к ней маленькие меха, похожие на кузнечные, Все
остальные трубки -- их может быть от одной до нескольких -- сопровождают
мелодию непрерывным звучанием, соответственно, одного, двух или нескольких
звуков, не изменяющихся по высоте. Таким образом, мелодия на волынке всегда
звучит в сопровождении неизменного аккомпанемента.

На волынке играют, как правило, на открытом воздухе, так как звук ее
сильный, пронзительный. Ею сопровождают исполнение народных танцев. В
Шотландии есть военные оркестры волынщиков. Музыканты играют в своих
национальных костюмах -- коротких клетчатых юбочках.

В разных краях инструмент этот называется по-разному. Издавна знали его у
нас в России под названием дуды. Дудой или козой называется он на Украине и
в Белоруссии. В Грузии это ствири, в Армении паркабзук, в Эстонии --
торупилль.


Куммер (Kummer)

Каспар (Гаспард), род. 10.12.1795 в Эрлау (близ Шлойзингена, Тюрингия), ум. 21.5.1870 в Кобур­ге; немецкий виртуоз-флейтист и композитор, был зачислен в замковую капеллу в Кобурге (1813). Написал также ряд пьес для флейты (и других инструментов) с гитарой, которые преимущественно вышли в изд. Андрэ (Оффенбах):«Боль­шой квинтет»,op. 75;«Трио для флейты, скрипки и гитары»,op. 81, 83, 92;«Дуэты для флейты и гитары»,op. 5, 18, 34, 38, 40, 55, 56, 63. Кроме того, «Ноктюрн»,op. 40 из учебного пособия «Школа игры на гитаре» (из 15 тетрадей) переиздан Б. Хенце (Гофмайстер, Лейпциг, 1963 г.).


Цемла (Zemla)

Карл, род. 9.10.1908 в Бойтене (нынешний Битом); немецкий гитарист и педагог, живет в ФРГ. Он изу­чал гитару у Э. Роммеля в Берлине. После войны Ц. выступал как концертный гитарист в Катовице и был приглашен преподавать гитару по второй специальности в Государственную высшую музыкальную школу и в музыкальный ли­цей в Катовице. В 1957 г. он переселился в ФРГ и преподает в Городской музыкальной школе Дюссельдорфа, где так­же руководил курсами гитары.


альтерация

Латинское слово alterare означает изменять. В музыкальной
науке альтерацией принято называть повышение или понижение звука, при
котором название его не меняется. Любой звук можно повысить на полтона или
тон, можно понизить на полтона или тон. В нотах это обозначается при помощи
так называемых знаков альтерации. Вот они:

-- диез -- повышение на полтона;
-- дубль-диез -- повышение на целый тон;
-- бемоль -- понижение на полтона;
-- дубль-бемоль -- понижение на целый тон. Если после
альтерированного звука должен прозвучать натуральный, пишут знак отказа --
бекар -- (или, если нужно, дубль-бекар -- ).

Если альтерированный звук появляется в музыкальном произведении случайно,
однократно (например, ре-диез или фа-диез в до-мажорной пьеске), знак
альтерации ставится непосредственно перед ним и учитывается только до конца
того такта, в котором появился, и только в той октаве, в которой указан. Но
когда в этом же такте далее должен прозвучать неальтерированный звук, перед
ним ставят знак отказа -- бекар.

На первый взгляд может показаться, что знаки альтерации -- это обозначения
черных клавиш фортепианной клавиатуры, тогда как белые клавиши имеют
собственные названия. Но дело обстоит совсем не так просто. Знаки
альтерации обозначают не клавиши, а звуки. И черная клавиша между белыми фа
и соль, в зависимости от тональности, в которой написана исполняемая вами
пьеса, может быть и фа-диезом и соль-бемолем. А в каком-нибудь произведении
(как правило, более сложном, предназначенном не для начинающих музыкантов)
встретятся, например, до-дубль-диез или соль-дубль-бемоль, которые на
фортепианной клавиатуре окажутся равными, соответственно, нотам ре и фа, но
в исполняемой пьесе, по смыслу развертывания мелодии или логике
гармонической структуры, будут именно <<дубль-диезом>> или
<<дубль-бемолем>>.


флажолет

(flag., франц. flageolet, уменьшительное от старофранц. flageol - флейта): получаемый на струнных инстру­ментах частичными колебаниями струны высокий звук свистящего тембра. На гитаре он извлекается при лёгком прикос­новении пальца к струне в местах её т. н. парциального деления 1/2, 1/3, 1/4 и т.д. её длины. Способ извлечения является главным различием между натуральными ф. и искусственным ф. Натуральные ф. возникают при извлечении звука над12 ладом (октавой выше звука открытой струны), над 9 и 4 лада­ми (на октаву и большую терцию выше звука на этом ладу), над 7 и 19 ладом (на октаву и квинту выше звука на этом ладу), над 5 ладом (двумя октавами выше звука на этом ладу). Звуки возле 3 лада (на квинту и две октавы выше) и возле 2 лада (на три октавы выше) извлекаются плохо. Эти ф. извлекаются легким касанием пальца левой руки о струну над ладом, но только до последующего затем удара большим или другим пальцем правой руки. Искусственные ф.охватывают большой хроматический объем. Извлекаются нажатием пальца, например, на 1 ладу 1-ой струны и касанием указательным пальцем ( i ) правой руки над 13 ладом. Удар осуществляется 3 пальцем ( a ) правой руки. Указательный палец ( i ) касается струны в момент удара. Способы обозначения натурального ф.не унифицированы. Наиболее употребительный и самый понятный способ (в ча­стности, используемый Ф. Сором) заключается в обозначении ноты открытой струны и ромбовидной нотной головой помечается извлекаемый звук. Лад указывается римской цифрой: Ромбовидные обозначения, к сожалению, часто опускаются или они помечаются только обычными нотными знаками, без обозначения струны. Более того, в большинстве случаев указывается обозначение flag., или harm., или arm.


лютня

(лат. testudo, итал.liuto,франц.luth): щипковый инструмент с изогнутым, грушевиднымкорпусом безобечайки, с плоской декой; резонансное отверстие, а также поперечное крепление струн по краям часто отделывались художествен­ным орнаментом. В конце грифа расположен колковый ящик с прикрепленными по бокам колками. У более старых лютневых инструментов колковый ящик скошен под углом.Соотношения струн в истории лютни изменялись. В 11-струнной л. с двойными струнами в XVI-XVII в. в. (самая высокая струна была одинарная) настройка могла быть A d g h e1 a1 или G c f a d1 g1 , или G c f b d1 g1. В лютневой гитаре с 6-тью струнами настройка соответствует строю гитары - E A d g h e 1. (см. рисунок лютнёвая гитара) До XV в. звук извлекали, как правило, плектром, позднее распространился пальцевый способ игры. Л. и ее разновид­ности (маленькая л., дискант -, альт -, тенор - и бас-лютня) стали как инструменты аккордового сопровождения для ве­дения генерал-баса в XVI-XVII в. в., а также как инструменты ведения мелодии и сольные инструменты. Основными ти­­­­пами более ранних лютневых инструментов являются теорбе и китаррон (басовая лютня). Установлено, что впервые л. в Европе появляется в X в.; тем не менее, ее доевропейская история началась в 3-м тысяче­летии до н. э. Ассиро-вавилонские источники упоминают разновидность танбура с маленьким корпусом. Арабская раз­новидность л.(al’ud)стала известна в Европе в X в. Аль-Фарабиприписываетсявнедрение 5-струнной л. со строем A d g c1 f 1. Наряду с этим с XIII в. появляется как самостоятельный инструмент, европейская лютня. В XVI в. в Испа­нии её вытесняет схожая с л. по форме своей изогнутой формой корпуса, натяжением струн и строем виуэла(виуэла 7-струнная, виуэла 4-струнная, виуэла де пeньола), ставшая непосредственной предшественницейгитарыв Испании.


многоголосие

Когда-то очень давно музыка была одноголосной. Певец пел
песню. Музыкант на древнем, еще совсем примитивном инструменте исполнял
одну мелодию. Но шли века, и музыка усложнялась. Люди поняли, что можно
петь вдвоем или втроем, и не одну и ту же мелодию, а разные, но сливающиеся
воедино, образующие вместе приятные для слуха созвучия. Что играть можно
тоже не одному, а нескольким музыкантам вместе, причем не одно и то же, а
отличающиеся друг от друга мелодии.

Многоголосие имеет два основных вида. Если ведущее значение имеет только
один голос, в котором звучит мелодия, а остальные ему аккомпанируют мы
говорим о гомофонии (греческое слово homos -- означает равный, phone --
звук) или гомофонно-гармоническом стиле. В таком стиле написано большинство
произведений XIX века и современной музыки.

Другой вид многоголосия получил широчайшее распространение еще в XVI --
XVII веках и достиг наивысшего расцвета в творчестве Иоганна Себастьяна
Баха. Это полифония (греческое poly -- много, phone -- голос, звук). В
полифонических произведениях все голоса ведут свои самостоятельные и равно
важные, одинаково выразительные мелодии.

В полифоническим искусстве возникли свои особые жанры. Это полифонические
вариации -- пассакалья и чакона, это инвенции и другие пьесы, использующие
прием имитации. Вершина полифонического искусства -- фуга. Об этих жанрах
вы можете прочесть отдельные рассказы.

Оба вида многоголосия -- и гомофонию, и полифонию, -- как правило, можно
встретить в одном и том же произведении.























































































© Учитель музыки