Cамоучитель по музыке. Помощник начинающему музыканту.
























































































Популярные музыкальные термины


танец

С древнейших времен и до наших дней люди танцуют -- праздниках или
просто в свободные вечера, непринужденно веселясь или участвуя в
торжественной церемонии.

Много веков тому назад танцы можно было увидеть и на сельских площадях, где
крестьяне кружились под немудреные звуки самодельных инструментов, и в
пышных дворцовых залах, в сопровождении труб, виол или оркестра...

Большинство этих танцев в той или иной форме дожили до нашего времени.

Конечно, они очень отличаются один от другого в зависимости от страны, в
которой родились, от времени, когда это произошло, от того, кто и где их
исполнял.

Вот, например, аллеманда. Серьезная, неторопливая. Как бытовой и придворный
танец аллеманда появилась в Англии, Франции и Нидерландах в середине XVI
века.

Родилась аллеманда из приветственных сигналов трубачей, звучавших при
встрече высоких особ -- князей, владетелей графств и герцогств. Под эти
приветственные звуки двигалось торжественное шествие придворных, поэтому
размер танца четный, как у марша -- ^2/_4, реже ^4/_4.

Войдя в сюиту как часть цикла, аллеманда стала богато разработанной
торжественной пьесой вступительного характера.

Французский танец куранта (courante -- бегущая, текущая) -- тоже
придворного происхождения, но довольно быстрый -- об этом говорит название,
-- отличающийся сложными, затейливыми фигурами и соответствующей им
затейливой музыкой. Размер его трехдольный -- ^3/_4 или ^3/_8.

Совсем иная сарабанда. Это медленный, величественный танец, родившийся в
Испании. Он возник из торжественного похоронного обряда, когда все
присутствовавшие на погребении в молчании ступали вокруг гроба.
Происхождение танца отразилось в его названии -- sacra banda -- по-испански
-- святое шествие. Сказался в сарабанде и горделивый испанский характер.
Несмотря на то, что сарабанда -- танец-шествие, размер ее ^3/_4 в
трехдольном движении удобнее было совершать многочисленные повороты во
время спуска по крутой винтовой лестнице в усыпальницу, шествовать вокруг
гроба.

Жига (от англ. jig) старинный танец английских моряков -- быстрый, веселый,
непринужденный. Музыка его словно льется безостановочно, ровными триолями,
как веселый ручеек, в размере 3, 6, 9 или 12 восьмых.

Аллеманда, куранта, сарабанда и жига -- именно в таком порядке, составляя
контрастные сочетания, они вошли в старинную сюиту.

Красивы и очень отличны по характеру танцы разных народов. Своеобразны
норвежские крестьянские танцы. Парный <<прыжковый танец>> -- спрингар --
отличается острым чеканным ритмом, яркой мелодией в трехдольном размере.
Парни, весело подпрыгивая и притопывая, ведут девушек, которые ступают
мелкими шажками.

Халлинг -- сольный танец, в котором юноша показывает силу, проворство и
ловкость. Халлинг изобилует высокими прыжками, вращениями, перевертываниями
в воздухе. Музыка его, в размере ^2/_4 носит мужественно-суровый характер,
имеет упругий и прихотливый ритм.

Гангар -- неторопливый, спокойный. Его танцуют парами, торжественно и
чинно, в размере ^6/_8.

Эти три самых распространенных в Норвегии танца широко использовал в своем
творчестве Григ, который сам любовался ими, записывал их мелодии.

Множество чудесных танцев издавна бытует в Польше. Наиболее известны из них
-- полонез, краковяк и мазурка.

Самый древний танец -- полонез. В старину он назывался <<великим>>, или
<<пешим>> танцем. Нынешнее его название -- французское, в переводе означает
<<польский>>. Сначала его танцевали только мужчины. Полонезом -- парадным
шествием, в котором все гости должны были принять участие, открывались
придворные балы. Под горделивое, величественное звучание музыки --
своеобразного торжественного марша, но в трехдольном размере, длинной
вереницей выступали танцующие, изящно приседая в конце каждого такта
музыки. Кроме придворного, существовал и крестьянский полонез -- более
спокойный и плавный.

Излюбленный польский танец -- мазурка, точнее -- мазур (от названия одной
из областей Польши -- Мазовии). Народная мазурка -- с веселой, задорной,
резко акцентированной мелодией в трехдольном размере -- это парный танец, в
котором нет заранее придуманных фигур. Ее импровизируют партнеры. В
шляхетской, дворянской мазурке больше блеска, ее па как бы символизируют
военную удаль. В XIX веке мазурка стала одним из самых популярных бальных
танцев.

Краковяк (краковяки -- жители города Кракова) -- отличается четким
двудольным размером. Вначале его танцевали тоже только мужчины: парами, в
которых один изображал рыцаря, а другой -- его оруженосца. Затем краковяк
стали танцевать в паре с дамой: она -- плавно, изящно, он -- с резкими
притоптываниями.

Все эти танцы представлены в творчестве великого сына Польши -- Шопена.
Особенно часто обращался он к мазурке. Среди шопеновских мазурок -- и
блестящие бальные, и задорные крестьянские, и опоэтизированные нежные
мелодии -- настоящие миниатюрные поэмы. Кажется, сама душа Польши
воплотилась в этих прекрасных творениях.

Народный танец полька по созвучию многим тоже кажется польским. Однако он
принадлежит другому славянскому народу -- чехам. Название его происходит от
слова pulka -- половина, так как танцевали его мелкими шажками. Это живой
непринужденный танец в двудольном размере, который танцуют парами по кругу.
Полька обычно открывала деревенский бал, и, заслыша ее веселые звуки, никто
не мог устоять на месте. Этот самый любимый из чешских народных танцев
завоевал широкую популярность во всей Европе. Он звучит в опере чешского
композитора Бедржиха Сметаны <<Проданная невеста>>.

Интересна судьба австрийского танца лендлера. Этот парный круговой
трехдольный танец получил свое название от австрийской области Ландль. В
начале XIX века он перекочевал из сел в города Австрии и Германии. Его
стали танцевать на балах, и постепенно он превратился во всем известный и
всеми любимый вальс.

Вот уже целых два века живет и пользуется неизменной любовью этот
увлекательный, вечно юный танец. В Германии, Австрии, Чехии, крестьяне на
праздничных вечеринках весело кружились парами (отсюда происхождение
названия танца -- немецкое walzen -- прокатывать). Постепенно движение
становилось все более плавным, кругообразным, из него уходили типичные для
народного танца подпрыгивания и притопывания. Рождался вальс. На рубеже
XVIII и XIX века вальс быстро распространился по многим странам.

Прежде всего новый танец завоевал Вену. Вальсы композиторов Лайнера и
Иоганна Штрауса-отца звучали в австрийской столице повсюду. Вальсы же
Иоганна Штрауса-сына покорили не только Вену, но и весь мир. Поэтичные,
изящные, с обаятельными, свободно льющимися мелодиями, они пленяли слух.
Они пронизывали и оперетты И. Штрауса. Начиная с <<Приглашения к танцу>>
Вебера, вальс попал в сферу симфонической музыки. В России великолепным
образцом такого симфонического вальса стал <<Вальс-фантазия>> Глинки.
Зазвучали в концертах и фортепианные вальсы -- <<Мефисто-вальс>> Листа,
<<Сентиментальный вальс>> Чайковского и, конечно, многочисленные вальсы
Шопена -- то блестящие, бравурные, то нежные и мечтательные. В наше время
любимы вальсы Прокофьева -- из балета <<Золушка>> и оперы <<Война и мир>>,
вальс Хачатуряна из музыки к драме Лермонтова <<Маскарад>>.

В Венгерских рапсодиях Листа, в Венгерских танцах Брамса звучат характерные
мелодические обороты, острые ритмические фигуры. Они сразу узнаются на
слух. Это -- интонации венгерского танца чардаша. Название его происходит
от слова csarda -- трактир, корчма. Венгерские корчмы издавна служили
своеобразными клубами, где собирались окрестные жители. В них или на
площадке перед ними и танцевали. Чардаш возник не в крестьянской или
придворной среде, а в городе, в начале XIX века. Танец этот двудольный и
состоит из двух частей -- довольно медленного патетического лашшана и
стремительной, огневой фришки.

На юге Италии расположился город Таранто. Он дал имя национальному
итальянскому танцу тарантелле. Тарантелла распространена по всему югу
Италии. Особенно любят ее в Неаполе и в Сицилии. Стремительный, веселый
танец, исполняемый под гитару и кастаньеты, ярко выражает характер
темпераментных южан. Размер тарантеллы ^3/_8 или ^6/_8 с характерным,
непрерывным и непринужденным движением триолями. Жизнерадостный ритм
тарантеллы привлек к себе многих композиторов разных стран -- Листа,
Шопена, Чайковского, Прокофьева. Верди использовал тарантеллу в опере
<<Сицилийская вечерня>>, а Россини создал в ее ритме песню, пользующуюся
большой популярностью.

Яркостью, темпераментом отличается и южнофранцузский -- провансальский --
танец фарандола. Его участники пляшут в хороводе, держась за руки, то
быстро, то медленно, в сопровождении тамбуринов и пронзительно звучащей
флейточки-галубе. Прекрасную фарандолу написал Бизе к драме А. Доде
<<Арлезианка>>.

Очень колоритны танцы Испании. Хота -- любимый танец Арагона, Каталонии,
Валенсии, -- отличается быстрым темпом, трехдольным размером, острым
ритмом, который подчеркивается щелканьем кастаньет. Это парный танец,
исполняемый под гитару или мандолину. Своеобразием хоты пленился Глинка во
время своего путешествия по Испании. Его оркестровая <<Арагонская хота>>
написана на подлинную народную тему.

Другой распространенный испанский танец -- болеро (от испанского voler --
летать), более умеренный, с ритмом, напоминающим ритм полонеза.
Сопровождается он тоже гитарой и кастаньетами, но часто и пением. Русские
композиторы -- Глинка, Чайковский, Даргомыжский, Кюи -- писали романсы в
ритме болеро. Пожалуй, самое известное произведение в этом ритме --
<<Болеро>> французского композитора Мориса Равеля.

Русские танцы -- и веселые пляски, и плавные хороводы, часто сопровождаются
пением. Среди танцев народов нашей страны известны украинские гопак и
<<Казачок>> (существуют также <<Казачки>> кубанский и терский) --
двудольный танец импровизационного характера, в котором партнер повторяет
движение своей подруги; задорная молдавеняска и молдавский танец-хоровод
коло, известный также на Украине. Коло танцуют и за пределами нашей родины
-- в Болгарии, Румынии, Югославии, Польше.

Большую известность среди наших народных танцев приобрел грузинский танец
лезгинка. Быстрая, темпераментная, требующая большой силы и ловкости от
юноши, плавности и изящества от девушки, она является их своеобразным
соревнованием. Музыка лезгинки -- с четким ритмом, двудольным размером и
энергичными движениями -- привлекла к себе внимание многих композиторов.
Так, Глинка в <<Руслане и Людмиле>>, Рубинштейн в <<Демоне>> поместили
бурную, полную стихийной силы и страсти лезгинку.


вундеркинд

В истории музыки время от времени, как яркие звезды на
небосклоне, появлялись удивительные музыканты. Совсем еще маленькие дети,
лет восьми -- десяти, а иногда даже меньше, они давали сольные концерты и
поражали слушателей силой своего музыкального таланта. Называли этих
маленьких музыкантов чудо-детьми (по-немецки -- Wunderkind).

Таким вундеркиндом был Моцарт. В возрасте шести -- восьми лет он вместе со
своей старшей сестрой Наннерль объездил всю Европу, выступая с исполнением
музыки на клавире и скрипке соло, играя произведения других композиторов и
свои собственные исполняя заранее выученные пьесы и импровизируя прямо на
концерте на темы, данные кем-то из публики.

Вундеркиндом был и Ференц Лист. Конечно, дарование его не сравнимо с
моцартовским, но и он еще в детстве покорял слушателей виртуозной и не по
годам зрелой игрой на фортепиано.

Имена эти знает весь мир. Из вундеркиндов они превратились в крупнейших
музыкантов своего времени.

В прошлом веке на вундеркиндов возникла мода. Детей начинали учить музыке в
раннем детстве, а если видели значительные успехи, начинали форсировать
занятия и спешили выпустить <<чудо-ребенка>> на эстраду: завоевывать
популярность и, конечно, зарабатывать деньги удачливым родителям и
предприимчивым антрепренерам. В конце XIX века афиши многих городов Европы
буквально пестрели именами вундеркиндов, от которых ждали повторения чуда
Моцарта. Но второго Моцарта не появилось. Больше того, вырастая, лишь
немногие из бывших вундеркиндов смогли остаться на уровне своей детской
популярности.

Прекрасно написала об этом Софья Васильевна Шостакович, мать композитора,
которая была его первой учительницей музыки:

<<Мы, родители, конечно, хорошо понимали и тогда [когда Д. Д. Шостаковичу
было семь -- восемь лет. -- Л. М], что сын наш достаточно музыкален для
того, чтобы стать в будущем профессионалом-музыкантом... Но вместе с тем мы
не спешили. Сказать правду, я не очень одобряю, когда юный неокрепший
талант начинают всячески мучить ради того только, чтобы произвести
сенсацию, выпустив на концертную эстраду маленькое нервное существо с
громким именем <<вундеркинд>>. На мой взгляд очень и очень редко бывает,
когда такой ранний музыкант впоследствии вырастает во что-нибудь
действительно интересное. Большей частью, поражая зрелым не по возрасту
мастерством в пять -- шесть лет, он в тридцать представляет собой явление
вполне заурядное, ибо творческие силы исчерпаны, организм устал, и человек
преждевременно изжил себя>>.

В наше время никто не гонится за сенсациями. Дети в пять -- шесть лет
только начинают учиться музыке, а слово вундеркинд приобрело совсем иной
оттенок: его употребляют чаще в ироническом смысле или просто в шутку.
СЕМЬЯ МОЦАРТА ДАЕТ КОНЦЕРТ. РИСУНОК С ГРАВЮРЫ 1765 Г


ударные инструменты

Все музыкальные инструменты имеют очень древнее
происхождение. Струнные -- от охотничьего лука, духовые -- от раковины,
рога, тростника. Но самый почтенный возраст принадлежит, конечно, ударным
инструментам: они возникли еще у первобытных людей, которые стали
сопровождать свои пляски ритмичными ударами одного камня о другой.

Постепенно появились более совершенные инструменты. Оказалось, что если
натянуть кожу на полый деревянный или глиняный предмет, то звук станет
более гулким и сильным. Так родились предки барабанов и литавр.

В течение многих веков складывалась группа ударных инструментов -- самая
неустойчивая по составу, но и самая разнообразная в современном
симфоническом оркестре. Сейчас в нее входят литавры, большой и малый
барабаны, тарелки. Кроме них встречаются бубен или тамбурин, тамтам,
треугольник, колокола, кастаньеты, колокольчики, ксилофон, челеста,
вибрафон. Только некоторые среди этих очень разных инструментов обладают
звуками определенной высоты.

Как показывает название группы, звук получается, когда по инструменту
ударяют -- рукой, пальцами, металлической палочкой или специальной
колотушкой. Тарелки нужно ударять одна о другую, бубен -- просто
встряхивать.

В оркестр ударные инструменты пришли давно, однако только в XIX веке
ударная группа получила широкое применение. Ударные инструменты
подчеркивают ритм музыки, придают звучанию оркестра большую силу, а его
краскам -- большее разнообразие. Иногда они используются с целью
звукоподражания, например, для изображения грома, ливня и т. д. О каждом из
ударных инструментов вы можете узнать более подробно, прочитав
соответствующий рассказ в этой книжке.


Строчное пение

церковное двух-, трех- или четырехголосное пение, возникшее на Руси в XVI в. Основная мелодия строчного пения поручалась сред­нему голосу («путь»), другие голоса располагались над этой мело­дией («верх») и под ней («низ»). Партии строчного пения записывались крюка­ми над текстом, ритм зависел от декламационного склада текста. Во второй половине XVII в. строчное пение было вытеснено партесным пением.


Фоскарини

(Foscarini), Джованни Паоло (Calignoso, dettoilFurioso), род., вероятно, в Верону, жил в XVII в.; итальян­ский гитарист, издал 4 книги в итальянской табулатуре с аккордовой записью для гитары. В этом издании он называет себя “AccademicoCalignoso, dettoilFurioso“ («академик пасмурный, по прозванию Неистовый»). В 1629 г. в Марчерате опубликовал сборник “Intavolaturadichitarraspagnola, librose-condo“ («Табулатуры испанской гитары, книга вто­рая»),который содержит различные танцевальные пьесы и «концертные сонаты на 2 и 3 различные гитары». В 1640 г. в Риме вышли табулатурные издания:«5 книг испанской гитары» и «Обучение игре на испанской гитаре».


Оана (Ohana)

Морис, род. 12.6.1914 в Гибралтаре; французский композитор и пианист, провел свое детство в Байон­не (деп. Атлантические Пиренеи) и в 1933 г. отправился в Париж, изучал фортепьяно у Маршалла в Барселоне. O. да­вал концерты как сольный пианист в Испании и Англии. В 1937 г. он возобновил учебу и стал изучать композицию: у Даниэля-Лезюра в Париже и Казеллы в Риме. В 1947 г. он вернулся в Париж. В 1950 г. написал концерт«Три черте­жа» для гитары и оркестра. Для гитары соло он сочинил«Тьенто» (1955 г.) и “Lilejourparait“(1963 г.). В 1982 г. появи­лось второе его произведение для гитары и оркестра – «Лунный диск».


Пизани (Pisani)

Агостино, жил в XIX в.; итальянский гитарист и историк гитары, автор «Теоретико-практического учебника для игры на гитаре», вышедшего в 3 изданиях (в 1899 г., в 1914 г. и в 1923 г.). Сегодня этот учебник больше не актуален, так как в нем не учитывается метод Тарреги, однако в те времена в Италии это была единственная школа игры на гитаре.


скрипка

Королева оркестра -- скрипка -- самый распространенный струнный
смычковый инструмент. <<Она в музыке является столь же необходимым
инструментом, как в человеческом бытии хлеб насущный>>, говорили о ней
музыканты еще в XVII веке.

Скрипки делали во многих странах мира, но лучшие скрипичные мастера жили в
Италии, в городе Кремоне. Скрипки, сделанные кремонскими мастерами XVI --
XVIII веков Амати, Гварнери и Страдивари, до сих пор считаются
непревзойденными.

Свято хранили итальянцы секреты своего мастерства. Они умели делать звук
скрипок особенно певучим и нежным, похожим на человеческий голос.
Знаменитых итальянских скрипок сохранилось до нашего времени не так уж
много, но все они -- на строгом учете. Играют на них лучшие музыканты мира.
СКРИПКА
Корпус скрипки очень изящен: с плавными закруглениями, тонкой <<талией>>.
На верхней деке красивые, в виде f вырезы, которые так и называются -- эфы.
И размер, и форма корпуса, и все мельчайшие его детали, даже качество лака,
которым он покрыт, тщательно продуманы. Ведь все влияет на звук капризного
инструмента. К корпусу скрипки прикреплен гриф, который заканчивается
завитком. Перед завитком в желобке отверстия, в которые вставлены колки.
Они натягивают струны, с другой стороны плотно закрепленные у подгрифка. В
середине корпуса, приблизительно между эфами, на двух ножках стоит
подставка. Через нее проходят струны. Их четыре. Они носят название тех
звуков, на которые настроены: ми, ля, ре и соль или басок, считая от самой
высокой струны.

Общий диапазон скрипки -- от соль малой до соль четвертой октавы. Скрипач
изменяет высоту звука, прижимая струну к грифу пальцами левой руки. Чтобы
было удобно играть, он кладет скрипку на плечо и придерживает ее
подбородком. В правой руке он держит смычок, которым водит по струнам.

Смычок -- это тоже важная деталь. От него во многом зависит характер
звучания. Состоит смычок из трости или древка, на нижнем конце которого
прикреплена колодочка. Она служит для натягивания волоса, который с другой
стороны прикреплен к трости неподвижно.

Если мы зацепим струну пальцем, а затем отпустим, звук быстро угаснет.
Смычок же можно вести по струне непрерывно в течение долгого времени, и
звук будет тянуться также непрерывно. Поэтому скрипка очень певуча. На ней
можно исполнять длинные плавные мелодии, как иногда говорят, <<на одном
дыхании>>, то есть не прерывая их паузами или цезурами.

Говорят, что скрипка поет. И правда, звучание ее похоже на трепетный
человеческий голос. Но она умеет не только петь. Есть много различных
способов, так называемых штрихов, которые применяют при игре на скрипке.
Можно играть не на одной, а на двух соседних струнах сразу. Тогда звучат
две мелодии. Больше чем два звука одновременно извлечь нельзя, так как
струны расположены не плоско, а на закругленной подставке. Однако скрипачи
играют аккорды из трех и четырех нот особым приемом -- арпеджиато, беря
звуки не одновременно, а один за другим, быстро скользнув по струнам
смычком.

В оркестре скрипки -- главные инструменты. Им поручают ответственные
эпизоды. Вспомните, как часто в оркестровых пьесах слышится пение скрипок;
иногда широкое и спокойное, иногда взволнованное, а порою и драматически
напряженное. А в Польке-пиццикато братьев Иоганна и Иозефа Штраусов и
некоторых других произведениях скрипки использованы совсем необычно:
исполнители играют на них не смычком, а защипывая струны пальцами, как на
щипковых инструментах. Этот прием называется пиццикато.

Очень широкое распространение получила скрипка как сольный инструмент. Для
нее созданы разнообразные произведения -- от виртуозных этюдов Паганини до
лирических пьес Прокофьева. Многими композиторами написаны концерты для
скрипки с оркестром. Вы, наверное, слышали концерты Бетховена, Мендельсона,
Брамса, Чайковского, Глазунова, Прокофьева, Шостаковича, Хачатуряна.

История музыки знает имена прославленных скрипачей. Легендами окружено имя
гениального Паганини. Его обвиняли в колдовстве, потому что в те времена,
когда он жил -- в первой половине XIX века, не верилось, что обыкновенный
человек сам, без помощи волшебной силы, может так великолепно играть на
скрипке.


волынка

Слышали вы детскую пьесу И. С. Баха, которая называется
<<Волынка>>? Правая рука в ней играет простенькую мелодию, а в левой
повторяются одни и те же звуки. В этой пьесе композитор имитирует звучание
народного инструмента, распространенного во многих странах мира.

Волынка -- духовой инструмент, притом очень своеобразный. Ее отличительная
деталь -- мех, то есть воздушный резервуар из кожи или пузыря. В мех
вставлены несколько трубок. Одна из них -- с отверстиями, как у любого
деревянного духового инструмента. На ней исполняют мелодию. Другая
трубочка, маленькая, служит для нагнетания воздуха: исполнитель дует в нее
или приспосабливает к ней маленькие меха, похожие на кузнечные, Все
остальные трубки -- их может быть от одной до нескольких -- сопровождают
мелодию непрерывным звучанием, соответственно, одного, двух или нескольких
звуков, не изменяющихся по высоте. Таким образом, мелодия на волынке всегда
звучит в сопровождении неизменного аккомпанемента.

На волынке играют, как правило, на открытом воздухе, так как звук ее
сильный, пронзительный. Ею сопровождают исполнение народных танцев. В
Шотландии есть военные оркестры волынщиков. Музыканты играют в своих
национальных костюмах -- коротких клетчатых юбочках.

В разных краях инструмент этот называется по-разному. Издавна знали его у
нас в России под названием дуды. Дудой или козой называется он на Украине и
в Белоруссии. В Грузии это ствири, в Армении паркабзук, в Эстонии --
торупилль.


Длительность

продолжительность звучания. Абсолютная длительность измеряет­ся в единицах времени (секунды, минуты и т. д.), относительная длительность выражается через соотношение, проявляющееся в метре и ритме. Акустически длительность зависит от продолжительности колебания вибратора. Основным знаком длительности является целая нота, а ее производ­ные — половинная, четвертная, восьмая и т. д. обозначают длитель­ность звучания по отношению к основной длительности. Особые ритмические фи­гуры образуют дуоль, триоль, квартоль, квинтоль и т д. (см. При­ложение III, IV, XV). Длительность является одним из важнейших средств музыкальной варазительности.


Гаррис (Harris)

Дэвид, род. в 1939 г. в США; американский гитарист и педагог, учился гитаре у Дж. Пролла и Дж. Брима и получил диплом в университете в Западной Вирджинии. Часто высту­пает как концертный гитарист и наряду с современными сочинениями исполняет произведения эпохи Возрождения и барокко. Преподает гитару в Нью-Джерси.


каприччио

Итальянское слово <> означает каприз, прихоть. В
музыке оно или его производные встречаются довольно часто: так называют
пьесы, свободные по построению, капризного, изменчивого характера. Таково,
например, Итальянское каприччио Чайковского, написанное под впечатлением
его поездки в Италию. В этом оркестровом каприччио использованы
разнообразные народные напевы и ритмы, благодаря которым создается
красочная картина веселого итальянского карнавала.

Иногда употребляют не итальянскую, а французскую форму этого термина --
каприс (caprice). Широко известны скрипичные каприсы Паганини --
виртуозные, причудливые пьесы. Могли вы слышать и Вальс-каприс Рубинштейна,
написанный для фортепиано, но звучащий часто в оркестровом варианте.


Пеллегрини (Pellegrini)

Виктор, род. в 1958 г. в Буэнос-Айресе; аргентинский гитарист, принадлежит к наиболее та­лантливым гитаристам своей страны. Его преподавателями были Хуан Карлос Кемп и Инес Панеро де Кемп. P. занял не­сколько призовых мест на международных гитарных конкурсах, в частности, 2-ое место на конкурсе Палестрины (1979 г.), l-ое место на конкурсе Диаса Алирио в Венесуэле, а также 3 место на конкурсе Андреса Сеговии на Майльорке (1980 г.). Среди 40 участников 1-го международного фестиваля гитары в Гаване в 1982 он занял 1-ое место. Наряду с выступлениями по радио в Аргентине и Бразилии он давал концерты в Испании и некоторых странах Латинской Амери­ки.


Тёпфер (Topfer)

Карл, род. 26.12.1791, ум. после 1823 г.; австрийский гитарист, который давал концерты, в частности, во Вроцлаве, Гамбурге и Вене. В издательстве “Paer” в Берлине вышли некоторые из его произведений для гитары (среди них – «Вариации», ор. l; «Quodlibet»,ор. 2, для гитары соло; «Вальс-треугольник» для 2-х гитар).


альт

Быть может, вы знаете, что альтом называется низкий голос девочки
или мальчика. Диапазон его от ля малой октавы до ми-бемоль второй. Самый
низкий женский голос, контральто, раньше тоже назывался альтом. А потом это
название перешло к одному из струнных инструментов. Может быть потому, что
тембр его похож на контральто -- мягкий, грудной, выразительный.

<<Я задумал написать для оркестра ряд сцен, в которых альт соло звучал бы
как более или менее активный персонаж, сохраняющий повсюду присущий ему
характер; я хотел уподобить альт меланхолическому мечтателю в духе <<Чайльд
Гарольда>> Байрона...>> Так писал французский композитор Гектор Берлиоз в
своих мемуарах, вспоминая о возникновении замысла программной симфонии для
альта с оркестром <<Гарольд в Италии>>.

Очень выразительно использовал характер звучания альтов Д. Д. Шостакович в
симфонии <<1905 год>>. После изображения страшной картины <<Кровавого
воскресенья>> (так называется вторая часть симфонии) третья часть --
<<Вечная память>> -- открывается мелодией траурной революционной песни <<Вы
жертвою пали>>, которую медленно и скорбно <<запевают>> альты.

Сейчас альт получает все большее распространение в качестве концертного
инструмента. Музыку для него пишут многие композиторы. Немецкий композитор
Пауль Хиндемит, сам прекрасно игравший на альте, создал для него много
произведений. Быть может самое известное из всех альтовых сочинений --
последнее, написанное Шостаковичем. Это Соната для альта и фортепиано,
посвященная ее первому исполнителю альтисту Федору Серафимовичу Дружинину.


капелла

Всем любителям музыки хорошо известны такие хоровые коллективы,
как Ленинградская академическая капелла им. М. И. Глинки, Республиканская
хоровая капелла им. А. А. Юрлова. Однако слово капелла -- cappella -- в
переводе с итальянского означает <<часовня>>. Какое же отношение имеет
часовня к хору?

В католических храмах вот уже много веков богослужение сопровождается
музыкой. В соборах и крупных церквах издавна сооружались органы. Органисты
импровизировали, сопровождали своей игрой пение хора, и богослужение
получалось очень торжественным, производило сильное впечатление на
молящихся. А ведь это и нужно было церковникам. Но в маленьких церквах,
часовнях, органов не было. Хору там приходилось петь без сопровождения.
Поэтому со временем пение без инструментального аккомпанемента и стали
называть: <<как в часовне>>. По-итальянски -- a cappella. А самый хор стали
называть капеллой.

Теперь это слово расширило свое значение. Им иногда называют не только
хоровой, но и инструментальный коллектив. Например, Капелла бандуристов
Украинской ССР.























































































© Учитель музыки