Cамоучитель по музыке. Помощник начинающему музыканту.
























































































Популярные музыкальные термины


лейтмотив

Наверное, любому школьнику хоть один раз довелось слышать
симфоническую сказку Прокофьева <<Петя и волк>> о том, как пионер Петя
поймал волка.

Помните, какие в ней действующие лица? Смешная, переваливающаяся с боку на
бок Утка, веселая Птичка, ворчливый Дедушка, свирепый Волк... Всех их мы
как будто видим -- так ярко рисует музыка персонажей сказки. Больше того: в
тексте, который читает актер, может ничего и не говориться, например, о
птичке, которая вьется перед носом волка, а мы слышим, что она тут...
Почему? Да потому, что звучит характеризующая ее музыка -- быстрые пассажи
маленькой флейты-пикколо. Петю композитор рисует красивой, распевной
мелодией, похожей на пионерский марш, дедушку -- басовитым ворчанием
фагота, Волка -- страшным завыванием валторн... Все персонажи музыкальной
сказки Прокофьева охарактеризованы лейтмотивами.

Лейтмотив -- немецкое слово (Leitmotiv), означающее в переводе ведущий
мотив. Так называется яркая, хорошо запоминающаяся музыкальная тема -- чаще
мелодия, но может быть и краткий, из нескольких звуков, мотив, и аккордовая
последовательность, которая обрисовывает какой-то образ или драматическую
ситуацию. Лейтмотивы применяются в больших музыкальных произведениях --
операх, балетах, симфонических сочинениях, -- и появляются неоднократно на
их протяжении, иногда в измененном, но всегда узнаваемом виде.

Очень любил использовать лейтмотивы немецкий композитор Рихард Вагнер.
Особенно много их в его тетралогии <<Кольцо нибелунга>>, где лейтмотивами
характеризуются не только герои, но и их чувства, и даже отдельные
предметы, как, например, заветный меч, золотое кольцо, символизирующее
власть над миром, призывный рог юного героя Зигфрида.

Применяли лейтмотив и русские композиторы. В опере <<Снегурочка>>
Римский-Корсаков дает лейтмотивы и самой дочери Весны и Мороза, и
красавице-Весне, и Лешему -- олицетворению дикой, пугающей фантастической
силы. В <<Лебедином озере>> Чайковского звучит лейтмотив лебедей. А помните
оперу Глинки <<Иван Сусанин>>? Композитор характеризует поляков мелодиями и
ритмами их национальных танцев -- полонеза, краковяка, мазурки. В
дальнейшем, на протяжении следующих актов оперы, мазурка приобретает
значение лейтмотива. Сначала, во втором акте, в замке короля Сигизмунда,
она звучит торжественно и звонко. В следующем акте, в доме Сусанина, куда
захватчики врываются, чтобы заставить старого крестьянина вести их на
Москву, мелодия мазурки звучит воинственно и грозно. Наконец, в четвертом
действии, в глухом лесу, в непроходимой чаще, куда завел поляков Сусанин,
мазурка <<сникла>>, потеряла свой блеск, свои самоуверенность и
воинственность. В ней слышатся растерянность, беспокойство, бессильная
злоба.


либретто

Если вы любите музыку (что несомненно, раз уж вам понадобилась
эта книжка), то вам, наверное, приходилось видеть книги, которые называются
<<Оперные либретто>>. В них излагается содержание многих русских, советских
и зарубежных опер.

Что же, либретто значит -- содержание? Нет, это неточное название. На самом
деле либретто (итальянское слово libretto означает книжечка) -- это полный
текст музыкально-сценического сочинения, то есть оперы, оперетты.

Как правило, сочиняют либретто специализирующиеся на этом
авторы-либреттисты. Известны в истории музыкального театра выдающиеся
либреттисты, существенно повлиявшие на развитие оперы, такие как П.
Метастазио, Р. Кальцабиджи, а позднее А. Бойто в Италии, Э. Скриб, А.
Мельяк и Л. Галеви во Франции. В России это был М. И. Чайковский, который
писал либретто для своего брата П. И. Чайковского, В. И. Бельский,
работавший с Н. А. Римским-Корсаковым. Много либретто для советских
композиторов было написано певцом С. А. Цениным.

Часто в качестве первоисточника либретто служит литературное или
драматическое произведение. Вспомните наиболее популярные оперы: <<Евгений
Онегин>>, <<Пиковая дама>>, <<Травиата>>, <<Риголетто>>, <<Кармен>>,
<<Снегурочка>>, <<Борис Годунов>>, <<Война и мир>>, <<Катерина Измайлова>>.
Здесь названы наугад русские, зарубежные и советские оперы, в основе
которых -- известные произведения Пушкина, Толстого, Лескова, Островского,
Мериме, Гюго, Дюма-сына. Однако произведения эти сильно изменены, потому
что жанр оперы имеет свою специфику. Так, текст оперы должен быть очень
лаконичным: ведь поющееся слово значительно дольше звучит, чем
произнесенное. Кроме того, основа драматической пьесы -- диалог. В опере же
должны быть арии, ансамбли, хоры. Все это тоже требует переработки.
Переработки даже драматической пьесы. Если же в качестве первоисточника
избирается повесть или роман, переделки еще больше: сокращается число
действующих лиц, выделяется какая-то одна сюжетная линия и вовсе исчезают
другие. Сравните, например, <<Евгения Онегина>> Пушкина и оперу
Чайковского, и вы сами легко в этом убедитесь. Порою при этом меняются
характеры героев, даже в некоторой степени идея произведения. Поэтому
композитора иногда упрекают за искажение замысла писателя. Но такие упреки
неосновательны: ведь композитор, вместе с либреттистом, пишет свое,
самостоятельное сочинение. В качестве его первоосновы может быть взято и
любое литературное произведение, и историческое событие, и народная
легенда.

Либретто бывает самостоятельным, не основанным на литературном
произведении. Либреттист либо сам сочиняет его, либо создает, основываясь
на каких-то документах, фольклорных источниках и т. п. Так возникло,
например, великолепное, очень своеобразное либретто оперы Н.
Римского-Корсакова <<Сказание о невидимом граде Китеже и деве Февронии>>,
написанное В. Бельским.

Иногда автором либретто становится сам композитор. Так Александр
Порфирьевич Бородин на основе великого памятника древнерусской поэзии
<<Слова о полку Игореве>> создал либретто своей оперы <<Князь Игорь>>. Сам
написал либретто для <<Бориса Годунова>> и <<Хованщины>> Модест Петрович
Мусоргский, а в наше время эту традицию продолжил Р. К. Щедрин, который
является не только автором музыки, но и автором либретто оперы <<Мертвые
души>>.

История музыки знает случаи, когда в качестве либретто композитор избирает
законченное драматическое произведение. Таков, например, <<Каменный гость>>
Даргомыжского, написанный на неизмененный текст маленькой трагедии Пушкина.


аранжировка

Французское слово arranger, как и немецкое arrangieren, в
буквальном переводе означают устраивать, приводить в порядок. Однако в
музыке этот термин приобретает несколько иное значение. В самом деле:
трудно представить, что музыкальное произведение необходимо <<привести в
порядок>>! Ведь композитор уже сделал в нем все, что считал нужным. И на
русский язык в данном случае термин аранжировка переводят словом
<<переложение>>.

Переложить можно, например, оркестровую или оперную партитуру для
исполнения на фортепиано в две или четыре руки. Напротив, фортепианную
пьесу можно аранжировать для оркестра. Часто песни, сочиненные автором для
голоса и фортепиано, перекладывают для хорового исполнения или фортепианную
партию аранжируют для инструментального ансамбля.

Иногда аранжировку делает сам композитор, но чаще этим занимаются другие
музыканты.

Порою на нотах можно прочесть: <<Облегченное переложение>>. Такие
аранжировки для исполнения на том же инструменте, на каком задумано
автором, но технически менее сложные, делаются в помощь любителям музыки.
Тем, кто не очень хорошо, не профессионально владеет инструментом, а хочет
получить удовольствие от музицирования.

И, наконец, есть у этого термина еще одно значение: в джазовой музыке
аранжировкой называются различные изменения, которые музыканты вносят
непосредственно во время исполнения, импровизируя свою партию.


Какинума (Kakinuma)

Хиротсугу, род. 5.9.1944 в Токио; японский гитарист и педагог, один наиболее известных япон­ских гитаристов-виртуозов. После успешного выступления на международных гитарных конкурсах в Токио K. продол­жил свою учебу в Испании у Рехино Сайнс де ла Масы и Хосе Томaса. В 1971 г. посетил руководимый A. Сеговией се­минар в Сантьяго де Компостелла. В 1972 г. K. выиграл конкурс “RassegnaGiovanniTulerpretti”, организуемый италь­янским радио и телевидением. В 1974 г. начал преподавательскую деятельность в Национальном музыкальном коллед­же, и с сентября 1980 г. руководит классом гитары в консерватории Авильяны. Составил многочисленные обработки и переложения для гитары, автор «Новой школы игры на гитаре».


Литавра

(от гр. poly — много и taurea — шкура) ударный музыкаль­ный инструмент из семейства мембранофонов, настраиваемый на определенный тон. В комплект литавры входят: большая литавра (A1 — С), средняя литавра (А1 — Е), малая литавра (В1 — G). Партия литавры записывается в басовом ключе. Литавра является основным ударным инструментом сим­фонического и оперного оркестров.


Солер (Soler)

Франческо де Паула, род. 2.10.1949 в Нарбоне (Франция); французский гитарист и педагог, в возрасте 6 лет получил первые уроки игры на гитаре, затем последовала учеба в музыкальной школе его родного города. Затем продолжил учебу в Высшей консерватории в Барселоне и принимал участие в курсах мастерства у Оскара Касереса в Париже. Во время учебы С. получил несколько стипендий, в частности, в 1978 г. для курсов испанской музыки у A. Сеговии в Сантьяго-де-Компостела. С. развивал обширную концертную деятельность и добился несколько премий на международных гитарных конкурсах. Преподает в музыкальной школе в Матарo, а также в Высшей консерватории в Барселоне.


дирижер

Вы пришли в оперный театр. Спектакль еще не начался, но в
оркестровой яме -- так называется помещение, расположенное внизу перед
сценой -- уже собрались музыканты. Они настраивают свои инструменты, и шум
стоит невообразимый. Кажется, что из этого хаоса звуков не может получиться
стройное, согласное и красивое звучание. А ведь еще будут певцы-солисты и
хор...

Для того, чтобы управлять этим большим музыкальным коллективом, и
существует дирижер (французское diriger -- управлять, направлять,
руководить).

Дирижер не просто следит, чтобы все играли согласно. Он тщательно
продумывает замысел композитора -- характер звучания музыки. Он разучивает
произведение с исполнителями, указывает, когда нужно вступить тому или
иному инструменту, быстро или медленно, громко или тихо должен тот играть.

Дирижер нужен в опере и в симфоническом оркестре, в хоре и в ансамбле песни
и пляски -- везде, где музыку исполняет большой коллектив. Хором руководит
дирижер-хоровик -- хормейстер.

Когда-то очень давно ансамблем исполнителей руководил музыкант, игравший на
клавесине или органе. Он исполнял свою партию и одновременно определял
темп, подчеркивал ритм. Потом клавишный инструмент перестал принимать
участие в исполнении оркестровых произведений, и руководство перешло к
первому скрипачу. И сейчас кое-где можно увидеть, что небольшим
инструментальным ансамблем руководит скрипач. Но состав оркестра со
временем все увеличивался, и скоро скрипачу стало не под силу. играя
самому, управлять таким большим коллективом.

В начале XIX века сложилось понятие дирижера оркестра, близкое нашему.
Правда, а то время дирижер еще стоял лицом к публике, так как считалось
неприличным поворачиваться к ней спиной. Поэтому приходилось стоять спиной
к оркестру и дирижировать, не видя оркестрантов.

Первыми от этого неудобного и для оркестра и для дирижера положения
отказались немецкие композиторы Феликс Мендельсон и Рихард Вагнер.

В начале же XIX века композиторы и дирижеры Карл Мария Вебер, Людвиг Шпор и
другие применили впервые для дирижирования небольшую деревянную палочку.
Сделали они это совершенно независимо друг от друга. Новый способ
дирижирования так понравился, что палочка стала верной помощницей дирижера.
Рассказывают, что когда замечательный русский композитор Александр
Константинович Глазунов приехал в Англию, где должен был дирижировать, то,
не зная английского языка, он выучил всего одну фразу. С ней он и обратился
к оркестрантам: <<Господа, прошу вас сыграть то, что я нарисую концом своей
палочки>>. Сейчас некоторые дирижеры отказываются от палочки.

Дирижер -- это душа оркестра. Так же как, например, различные пианисты,
исполняя одну и ту же пьесу, играют ее по-разному, так и дирижер может
подчеркнуть в произведении его классически ясные или романтически
взволнованные темы, может выделить одни черты и смягчить, затушевать
другие.

Поэтому дирижер должен быть широкообразованным музыкантом: знать историю
музыки, историю других искусств, безукоризненно разбираться в стиле
произведения, свободно ориентироваться в эпохе, в которую оно было создано.
Дирижер должен обладать великолепным слухом, владеть каким-то (а лучше --
какими-то) музыкальным инструментом.

В XX веке всемирно известны такие дирижеры, как Леопольд Стоковский, Артуро
Тосканини, Вилли Ферреро, Герберт фон Караян.

Выдающимися советскими дирижерами были Николай Семенович Голованов и Самуил
Абрамович Самосуд. Советское дирижерское искусство прославили Герой
Социалистического Труда народный артист СССР Евгений Александрович
Мравинский, а в следующих поколениях народные артисты СССР Геннадий
Рождественский и Евгений Светланов.


колоратура

По-итальянски <> -- значит украшение. Украшения в
музыке -- это виртуозные пассажи, трели и другие похожие на них
<<музыкальные орнаменты>>, которые расцвечивают основную мелодию арии или
-- реже -- романса.

Как правило, колоратуры встречаются в произведениях, написанных для самого
высокого, легкого и подвижного женского голоса -- колоратурного сопрано.
Так, все вы, наверное, не раз слышали арию Царицы ночи из оперы Моцарта
<<Волшебная флейта>> или арию Антониды из оперы Глинки <<Иван Сусанин>>. Но
бывают колоратуры и в произведениях, написанных для других голосов.
Например, ария дона Базилио <<Клевета>> в опере Россини <<Севильский
цирюльник>> написана для баса, но богато <<изукрашена>> колоратурами.

Особенно характерны колоратуры для опер итальянских композиторов.
Итальянские певцы издавна славились своей виртуозностью, и с самых давних
времен в итальянской музыке сложилась традиция расцвечивать вокальную
музыку разными украшениями. В XIX веке эта традиция отчасти сказалась и в
сочинениях композиторов других стран,

Встречаются колоратуры и в русской музыке. Вспомните арию Людмилы из оперы
Глинки <<Руслан и Людмила>>. В партии Снегурочки в опере Римского-Корсакова
колоратурные пассажи подчеркивают холодность, фантастическое происхождение
дочери Мороза и Весны. А в романсе Алябьева <<Соловей>> колоратура
подражает птичьим трелям.


Пентатоника, пентатонный звукоряд

(от гр. pente — пять и ton — тон) — лад, в звукоряде которого нет полутонов и тритона; известен также как шотландский или китайский звукоряд. Кроме пентатоники — бесполутоно­вой (ангемитонной, целотоновой) пятиступенной системы существуют также полутоновая (гемитонная) пентатоники — японская, индийская, индоне­зийская, смешанная (конголезская), темперированная (индонезий­ский звукоряд слендро, где октава делится на пять ступеней, не совпадающих ни с тонами, ни с полутонами) (см. Приложение XVII).


Бар­релл (Burrell)

Кен­нет Эрл «Кен­ни», род. 31.7.1931 в Дет­рой­те; аме­ри­кан­ский джа­зо­вый ги­та­рист и ком­по­зи­тор. По­сле сда­чи му­зы­каль­но­го эк­за­ме­на в Уни­вер­си­те­те Уэй­на он иг­рал с Ос­ка­ром Пе­тер­со­ном и Бен­ни Гуд­­м­еном. С 1957 г. ру­ко­во­дит соб­ст­вен­ны­ми груп­па­ми. Вы­пус­тил пла­стин­ки со свои­ми соб­ст­вен­ны­ми за­пи­ся­ми (“GuitarForms”, “Night Song”, “Handcrafted“и др.), а так­же с за­пи­ся­ми со­вме­ст­но с Джо Ли Уил­со­ном, Тэ­дом Джо­ун­сом, Кол­ма­ном Хо­кин­сом,Сон­ни Рол­лин­зом, Джим­ми Сми­том, Джер­ри Мал­ли­га­ном. Сре­ди наи­бо­лее из­вест­ных его ком­по­зи­ций: «Ода 52-ой стрит», «Но­чи Сау­са­ли­то», «Ас­фаль­ти­ро­ван­ные джунг­ли».


Солер

(Soler), Педро, род. в 1938 г. в Каталонии; испанский гитарист, играть на классической гитаре начал с 14 лет. По­сле 4 лет занятий он записался в ансамбль гитаристов стиля фламенко; он аккомпанировал известным танцорам и певцам этого стиля. Как приверженец этого направления С. часто представлял Испанию в Национальном театре в Париже. До настоящего времени давал концерты в различных странах Западной Европы, Южной Америки и Африки.


Таррега (Tarrega y Eixea)

Франсиско, род. 29.11.1854 в Вилльяреале (провинция Кастилия), ум. 5.12.1909 в Барсело­не; испанский гитарист, один из самых значительных мастеров в истории гитарной музыки, играть на гитаре началв 8 лет и с 1862 г. был учеником Х. Аркаса. В этовремя гитару в Европе более или менее вытеснило фортепьяно. Поэтому T. по настоянию своего отца обратился к игре на фортепьяно, так что он уже в молодом возрасте вполне хорошо вла­дел обоими инструментами. В 1869 г. он приобрел необычайную лютню и особенно звучную гитару A. Торреса, что оказалось решающим для его последующего выбора. В 1874 г. он начал учиться в консерватории в Мадриде компози­ции и фортепьяно. С 1877 г. он зарабатывал на жизнь как гитарист и учитель музыки; уже в 1880 г. он давал концерты в Париже и Лондоне. В 1881 г. T. женился и переселился в Барселону. Национальные испанские композиторы Альбенис и Гранадос были его друзьями, он первым переложил многие из их сочинений для гитары. T. явился реформатором сти­ля игры и основателем так называемой новой испанской школы гитары. Характерная особенность этого направления вы­разилась в энергичном и сильном звуке, который T. умел извлекать из инструмента благодаря изобретенной им техни­ке игры. Этот способ звукоизвлечения, при котором звук звучал долго и громко, стал основополагающим в современ­ной испанской гитаристике. Разработав на основе классической игры его выдающихся предшественников (Ф. Сор, Д. Агуадо) T. развил исполнительское искусство далее, в то же время ввел в игрe новые, интересные эффекты и необыч­ные гармонии, а также колоритные элементы. Этими инновациями он значительно расширил художественно-выразитель­ные возможности инструмента, которые совершенствовались его учениками, позднее известными виртуозами Марией Ритой Бронди, Эмилио Пухолеми Мигелем Льобетом и сделали метод T. преобладающим на сегодняшний день во все­м мире. T. оставил после себя обширное композиционное творчество для гитары, куда входят как оригинальные сочине­ния, таки переложения. Эти произведения вошли в репертуар многих мастеров гитары. Среди его произведений:«Вос­поминание об Альгамбре», «Грезы», «Арабское каприччио», «Бабочка»,многочисленные прелюдии, этюды и танцы, а также редакции отдельных пьес И. С. Баха, Генделя, Бетховена, Гайдна, Моцарта, Шопена, Ф. Шуберта и Р. Шумана.


штрих

Многие термины являются общими в музыке и изобразительном
искусстве. Относится к таким и слово штрих. Говорят об уверенных штрихах в
рисунке, о штриховке... Конечно, штрихи в музыке -- совсем не то, что
карандашный штрих. Так называются способы извлечения музыкального звука --
голосом или на инструменте. Главные штрихи -- это стаккато, то есть
отрывисто и легато -- связно. На некоторых инструментах распространен штрих
портаменто -- ровно и протяжно, но звуки не связаны между собой.

Исполнители на струнных инструментах знают много специальных штрихов, таких
как деташе (исполнение каждой ноты отдельным движением смычка), col legno
(коль леньо -- древком смычка по струне), мартеле (деташе с остановками) и
другие. Есть свои, специальные штрихи, и у духовых, и у ударных
инструментов.


попурри

Этот музыкальный термин заимствован из... кулинарии. В самом
деле: французы с давних времен пользуются репутацией лучших поваров в мире.
И вот по-французски <> -- сборное блюдо. По-другому -- смесь.
Что же это за <<сборное блюдо>> в музыке?

Попурри -- пьеса, довольно большая по размерам, чаще всего -- оркестровая
или фортепианная, составленная из заимствованных мелодий. Существуют
попурри на темы известных опер и оперетт, на темы популярных песен. Вам,
наверное, не раз приходилось слышать попурри на темы песен Дунаевского или
Соловьева-Седого. Иногда их называют фантазиями.


кобза

Всем хорошо известно имя замечательного украинского поэта Тараса
Григорьевича Шевченко. А знаете ли вы, что сборник своих стихов он назвал
<<Кобзарь>>? Почему? Что хотел он сказать этим?
КОБЗА
Много веков назад появились на Украине кобзари. Это были странствующие
певцы, часто слепые. Но слепота не мешала им видеть зло, которое творилось
вокруг, беды, которые обрушивались на простых людей. Обо всем этом, о
судьбе народной, о борьбе украинцев с угнетателями пели кобзари,
аккомпанируя себе на кобзе -- инструменте, от которого и пошло их
прозвание.

Потому и Тарас Шевченко называл себя кобзарем: ведь он тоже воспевал
простых людей, призывал бороться с угнетением и произволом.

Итак, инструментом кобзарей, особенно распространившемся в XVI и XVII
веках, была кобза -- струнный щипковый инструмент с корпусом, похожим на
корпус лютни, и с небольшим, слегка отогнутым назад грифом. Играли на ней
при помощи плектра.
БАНДУРА

В XVIII веке кобза уступила место похожему на нее, но более сложному и
совершенному инструменту -- бандуре, у которой не один, а два набора струн.
Более длинные, басовые, настроенные по квартам и секундам, располагаются
прямо, на корпусе и грифе. Короткие, называемые приструнками, расположены
на корпусе веерообразно и настроены по ступеням гаммы, а в наши дни часто
по полутонам.

По сию пору бандура -- любимый украинский инструмент. На Украине
организована Государственная капелла бандуристов. Существуют и
самодеятельные ансамбли бандуристов.


флейта

Это один из самых древних духовых инструментов. Археологи находят
изображения флейтистов на фресках Древнего Египта и Греции.

Возникшая из тростниковой дудки, флейта поначалу была простой деревянной
трубкой с отверстиями. В течение многих веков она совершенствовалась, пока
не приобрела современный вид. Раньше флейта была продольной, и держали ее в
вертикальном положении. Затем появилась так называемая поперечная флейта,
которую музыкант держит горизонтально. Этот вид флейты, усовершенствованный
в 1832 году немецким мастером Т. Бемом, постепенно вытеснил продольную, и
сейчас во все оркестры входит именно поперечная флейта. Диапазон ее -- от до первой и до до четвертой октавы, нижний регистр
глуховатый, мягкий; средний и часть верхнего очень красивы, обладают нежным
и певучим тембром; самые высокие звуки пронзительные, свистящие.

В инструментальных ансамблях флейта принимала участие уже в XV веке.
Композиторов привлекало ее напевное звучание, а позднее, когда инструмент
усовершенствовался, -- богатые виртуозные возможности.

Флейте доступны самые сложные пассажи. Нередко она вступает в своеобразное
соревнование с колоратурным сопрано, которое отчасти напоминает и своим
тембром. Вспомните <<Снегурочку>> Римского-Корсакова: колоратурным пассажам
дочери Мороза в начале оперы вторят <<узорчатые>> наигрыши флейты.

Одна из применяемых в оркестре разновидностей этого инструмента -- флейта
пикколо (piccolo -- по-итальянски -- <<маленький>>). Она в два раза меньше
обычной флейты и звучит октавой выше. Ее резкий свист прорезает звучность
всего оркестра. Раньше флейту пикколо применяли лишь в тех музыкальных
эпизодах, в которых требовалось изобразить сражение, грозу, свист ветра.
Теперь же ей нередко поручают и мелодические партии.

В опере Римского-Корсакова <<Сказка о царе Салтане>> флейта пикколо играет
тему белки, грызущей золотой орех. В первом акте оперы Бизе <<Кармен>> две
флейты пикколо сопровождают хор мальчишек, бойко марширующих вслед за
солдатами.























































































© Учитель музыки